Erzählen Sie uns, wie Ihr Interesse an Graffiti und später an bildender Kunst entstanden ist.
1998 kaufte ich Dosen und ging direkt zu einer Wand, die sich in einer verlassenen Fabrik in Azeitão, Portugal, befand. Als diese Odyssee begann, wusste ich einfach, dass dies mein Weg sein würde. Nicht, dass ich Künstlerin werden würde, aber der Kontakt zwischen einer Wand, einer Dose und mir war zweifellos eine Beziehung fürs Leben. Der erste Name, den ich als Tag unterschrieb, war „Sohn“. Die Art und Weise, wie ich die Dose am ersten Tag verwendet habe, ist über die Jahre gleich geblieben. Es war eine direkte und sofortige Verbindung. Es waren Jahre der Kontinuität und der Straßenmalerei. Später, 2012, erscheint eine Einladung für eine Einzelausstellung. So hatte ich noch nie über Graffiti nachgedacht. Die Einladungen kamen schnell, die Arbeit entwickelte sich und ich begann, einen Weg parallel zur Straße zu zeichnen. Die Arbeit im Atelier. Heute teile ich mich zwischen beiden auf, weil ich weder ohne das eine noch nur mit dem anderen leben kann.
Was sind die außergewöhnlichsten Punkte bei der Arbeit in diesem Medium?
Das Außergewöhnlichste ist die Möglichkeit, das zu sein und zu malen, was mir am besten gefällt. Es gibt keine Worte, um zu beschreiben, wie es sich anfühlt, eine Arbeit auszuführen. Es ist ein Teil von mir. Das steckt in jedem Bild, das ich male. Es ist ein ganz besonderes Gefühl.
Welche Künstler haben Sie während Ihrer Karriere inspiriert?
Jackson Pollock. Von der Art, wie er dem, woran er glaubte, immer treu geblieben ist, bis hin zu dem Stil, der ihn so sehr auszeichnet.
In ihren Werken voller intensiver Farben, abstrakter Elemente und Musterkombinationen repräsentiert sie Menschen. Sind es Menschen, die Sie kennen? Woher kommt die Inspiration für diese Porträts?
Ich bin immer in Umgebungen aufgewachsen, in denen Ästhetik präsent war und in meinem täglichen Leben eine Rolle spielte. Meine mit Mode und Dekoration verbundenen Eltern spielten eine wichtige Rolle im visuellen Teil. Indem ich eine Figur in meine Arbeit einbeziehe, schaffe ich eine Verschmelzung zwischen dem, was Menschen in der Umgebung, in die sie eingefügt sind, sein und tun können. Die Arbeiten enthalten Figuren, die absichtlich so geschaffen wurden, dass sie zu meinen Hintergründen passen und Symbiosen zwischen ihnen schaffen. Ähnlich dem, was ich denke, ist eine Eigenschaft, die Menschen haben: sich an das anzupassen, was sie umgibt. Auf diese Weise habe ich dieses Konzept der Verschmelzung zwischen einem Abstrakten und einem darin eingefügten Thema geschaffen. Das Hauptziel ist immer, ein Ergebnis der ästhetischen Balance zwischen Farben und Formen zu erreichen. Das wurde mir auch in den Jahren weitergegeben, in denen ich diese Verbindung zu Mode und Dekoration hautnah gelebt habe.
Er produzierte seine Werke zunächst im urbanen Raum, später wechselte er in museale Räume, nämlich in Galerien. Was waren die Vorteile und Schwierigkeiten dieser Umstellung?
Ich kann sagen, dass der Mangel an Bildschirmfläche im Vergleich zu einer Wand meine größte Herausforderung war. Ich habe eine breite Linie mit einem langen Fluss, und das hätte ein Hindernis sein können. Aber ich denke, es hat geholfen, mein Konzept von Leinwand neu zu definieren. Auf diese Weise war klarer, was sich ändern würde: die Dimension. Als ich meine Suche auf dieses neue Maß an Arbeit ausrichtete, begann es für meine Studioarbeit einfacher zu erscheinen.
Heute erreichen seine Kunstwerke dank sozialer Plattformen wie Instagram noch mehr Menschen.
Ist in Ihrer Wahrnehmung die Lektüre, die Sie Ihrem Betrachter vermitteln wollen, auch bei einer Distanz zwischen dem „virtuellen“ digitalen Bild und der tatsächlichen/persönlichen Beobachtung noch präsent? Haben Sie Angst, dass die technische Ausführung nicht wertgeschätzt wird?
In meinem Fall teile ich gerne Videos von dem, was ich tue. Jeder, der mich kennt, weiß, dass meine Videos voller Charakterzüge und expliziter Techniken sind, die bei der Komposition meiner Werke zum Einsatz kommen. Anders als Sie vielleicht denken, dass ich meine Tricks und Geheimnisse zur Verfügung stelle, sehe ich dieses Teilen nicht so. Ich sehe es eher als Kunst an sich: Sie existiert nur, wenn sie geteilt wird. Wir dürfen es nicht behalten. Es ist zu schön und eine riesige Gelegenheit, mit der Welt zu teilen, was ich am tiefsten empfinde, wenn ich jedes Werk male.
In den letzten Jahren haben wir einen Paradigmenwechsel erlebt, die Kunstwelt wird immer digitaler. Online-Verkäufe sind exponentiell gewachsen, und vor kurzem sind Non-fungible Tokens (NFTs) aufgetaucht, die große Neuheit in der Kunstwelt. Was sind Ihre Perspektiven in Bezug auf den Online-Markt und NFTs?
Ich finde diese Entwicklung phänomenal, aber für mich hat die physische Verfügbarkeit der Arbeit immer noch Vorrang vor jeder anderen Idee. Ich bin ein Mensch der Berührung, der kontinuierlichen Beobachtung, des physiologischen Bedürfnisses, die Materialien berühren zu können, die ich bei der Konzeption meiner Werke verwende. Der Online-Markt machte die Wege kurz und ermöglichte den Zugang zur Welt. Es ist etwas Außergewöhnliches.
Arbeiten Sie in Ihrem „Atelier“ an mehreren Projekten gleichzeitig: Wie viele Arbeiten haben Sie aktuell „in Arbeit“? Gibt es welche, die Sie vor besondere Herausforderungen stellen, die Sie teilen möchten?
Ich habe jetzt die Möglichkeit, ein Studio zu haben, das besser zu meinem Arbeitsweg passt, da ich kürzlich in einen Raum mit einer beträchtlichen Fläche gezogen bin. Ich bin ein Künstler, der Platz braucht, wenn es um Atelierkreationen geht. Ich arbeite gerne in mehreren Bereichen gleichzeitig. Ich habe immer mehrere Jobs gleichzeitig zu bauen. Nichts macht mich glücklicher, als an mehreren Fronten zu sein. Ich habe sicherlich immer so um die 7-8 Werke, die gleichzeitig entstehen. Ich reise nicht viel, weil ich kein Fan von Flugzeugen bin (lacht), und um bei allen Ausstellungen, an denen ich beteiligt bin, dabei sein zu können, werden die Arbeiten verschickt. Manchmal, da meine Anwesenheit nicht notwendig ist, nehme ich am Ende mehr Arbeit an und es endet immer in einem Chaos von Farben und großer Energie in meinem Studio.
Dieses Jahr 2023 habe ich ein Jahr Ausstellungen gewidmet, und als solches habe ich mehrere Konzepte und Ideen für jede von ihnen. Die Vielfalt zwischen diesen Konzepten ist eine ständige Herausforderung, ähnlich dem, was ich in der Kunst suche.
Er arbeitet seit einiger Zeit in der Kunstwelt. Was raten Sie jungen Künstlern, die gerade ihre ersten Schritte in diesem Markt unternehmen?
In einem ersten Ansatz würde ich einfach sagen, bleibe dem treu, was dir gefällt und was du vielleicht als künstlerische Arbeit weiterentwickeln möchtest. Hart an etwas zu arbeiten, an das wir glauben, auch wenn es nicht sofort zu einem Ergebnis führt, ist meiner Meinung nach der einzige Weg nach vorne. Die Sensibilität beim Versuch, die eigene Arbeit zu betrachten, hilft, ein Wachstum zu entwickeln, das auf etwas Realem basiert.
Wenn Sie die Möglichkeit hätten, ein Kunstwerk für Ihre „persönliche Sammlung“ auszuwählen, welches wäre das?
Meine Wahl wäre: Jackson Pollock - #31.
Zu guter Letzt, wer ist der Künstler, von dem Sie geträumt haben, eines Tages mit ihm zusammenzuarbeiten?
Ich wünschte, ich könnte etwas mit dem Künstler KAWS schaffen.
