Der Impressionismus, eine der bekanntesten und gefeiertsten künstlerischen Strömungen in der Kunstgeschichte, feiert nun sein 150-jähriges Jubiläum auf den Straßen von Paris im Jahr 1874. Das Erbe dieser Bewegung geht jedoch weit über ihre üppigen Landschaften und ihren revolutionären Ansatz hinaus Licht und Farbe. In diesem Artikel untersuchen wir fünf wesentliche Texte, die einen vielfältigen und tiefgehenden Blick auf den Impressionismus bieten und seine Komplexität und anhaltende Relevanz für die globale Kunstszene offenbaren.
Von Werken, die den transnationalen Einfluss des Impressionismus hervorheben, bis hin zu Essays, die die Rolle schwarzer Frauen im Paris des 19. Jahrhunderts neu untersuchen, bietet jeder Text eine einzigartige und bereichernde Perspektive auf diese künstlerische Bewegung. Durch die Auseinandersetzung mit diesen Werken sind wir eingeladen, unser Verständnis des Impressionismus neu zu bewerten und neue Bedeutungsebenen und soziale Relevanz zu entdecken.
Wir werden grundlegende Bücher erkunden, die uns auf eine Reise durch die Geschichte, Technik und kulturellen Auswirkungen des Impressionismus mitnehmen und einen panoramischen und facettenreichen Blick auf diese Bewegung bieten, die weiterhin Künstler und Kunstliebhaber auf der ganzen Welt inspiriert und fasziniert.
Globalisierender Impressionismus: Rezeption, Übersetzung und Transnationalismus
Nach ihrem Aufkommen in Paris im Jahr 1874 verbreitete sich die impressionistische Ästhetik weit, von Japan (dessen eigene Kunst die französischen Impressionisten stark inspirierte) bis nach Südafrika und Brasilien. Wie diese Reihe von Essays zeigt, war eine der Entdeckungen der Impressionisten, dass das Erscheinungsbild locker und rutschig sein konnte, und das Gleiche galt für ihren Stil – kein Künstler und keine Nation erhob Anspruch auf den Impressionismus, und es gibt keine feste Definition der Bewegung . Durch die Lektüre des Impressionismus durch eine Auseinandersetzung mit Fluidität und Zirkulation schafft dieser Band geografische Verbindungen und würdigt zuvor vernachlässigte Regionen und Künstler.
Posing Modernity: Das schwarze Model aus Manet und Matisse bis heute
Dieser Katalog für eine bahnbrechende Ausstellung an der Columbia University und im Musée d'Orsay lenkte die dringend benötigte Aufmerksamkeit auf die schwarze Präsenz im Paris des 19. Jahrhunderts und zeigte, wie insbesondere schwarze Frauen aktive Teilnehmer in Künstlerkreisen waren und zur Entstehung von beigetragen haben Modernität. Denise Murrell, die die Ausstellung kuratierte, schreibt insbesondere über ein Modell namens Laure, das in Gemälden von Édouard auftauchte Manet. (Manet wurde nie zusammen mit den Impressionisten ausgestellt, war aber in vielerlei Hinsicht ein Vorläufer des avantgardistischen Rebellionsgeistes der Bewegung.) Murrell erkennt Laures wesentliche Menschlichkeit im Gegensatz zu exotischen Stereotypen an und argumentiert, dass der Wandel in der Darstellung der schwarzen Frauenfigur „von grundlegender Bedeutung“ war die Entwicklung der Ästhetik der modernen Kunst“.
Impressionismus und Postimpressionismus, 1874–1904: Quellen und Dokumente
Einer der interessantesten Aspekte beim Kennenlernen des Impressionismus ist die Erkenntnis, wie schockierend der Stil zu dieser Zeit war. Kritiker haben ihre Verachtung nicht zurückgehalten, und die Lektüre dieser von Linda Nochlin zusammengestellten Sammlung primärer Quellenmaterialien bietet eine Möglichkeit, Zugang zur Neuheit und Fremdartigkeit von Gemälden zu erhalten, die mittlerweile nur allzu vertraut geworden sind. Von Jules Laforgues Hommage an die „tausend kleinen tanzenden Pinselstriche“, aus denen ein Monet besteht, bis hin zu Théodore Durets Beschreibung des Lachens und der Empörung über die Absurdität, blaue Schatten auf eine verschneite Szene zu malen, belebt die Sprache der Zeit das Werk neu. Nochlin war selbst eine renommierte Wissenschaftlerin und ihre aufschlussreiche Auswahl an Dokumenten wird hier von kurzen Einführungen zu ihren Autoren begleitet.
Impressionismus: Kunst, Freizeit und Pariser Gesellschaft
Vor mehr als drei Jahrzehnten (1988) führte Robert L. Herbert eine Lesart des Impressionismus ein, die heute so verbreitet ist, dass es schwierig sein kann, sich an frühere Ansätze zu erinnern. In dem, was er als „Sozialgeschichte der Kunst“ bezeichnete, betrachtete Herbert Gemälde als tief in ihr soziales und kulturelles Milieu eingebettet. Die Impressionisten waren in vielerlei Hinsicht Maler des Alltagslebens, und Herbert gibt uns einen Einblick in die Veränderungen im Paris des 19. Jahrhunderts. Cafés, Parks, Rennbahnen, Kabaretts und Badeteiche boten einer wachsenden Mittelschicht neue Freizeitmöglichkeiten. Herbert geht sowohl den Freuden als auch der Politik der Transformation nach und untersucht, wie impressionistische Gemälde sowohl zur Bildung der bürgerlichen Identität beitrugen als auch einige der Miseren der Modernisierung offenbarten.
Die Kunst des Impressionismus: Maltechnik und die Entstehung der Moderne
Die Aufmerksamkeit der Kunsthistorikerin Anthea Callen für Materialien und Techniken beruht auf genauer Beobachtung und belohnt diese. In diesem Buch aus dem Jahr 2000 nimmt sie den Herstellungsprozess ernst und erkennt, dass Kunstwerke physische Dinge sind, und denkt darüber nach, was es praktisch und symbolisch bedeutet, im Freien zu malen. Zu den Kapitelthemen gehören Leinwand, Grundtöne, Pigmente, Tonwerte, Licht (sowohl real als auch dargestellt), Lack und Rahmung. Im gesamten Buch macht Callen darauf aufmerksam, wie neue Technologien und Materialien den Stil der Impressionisten ermöglichten. Seine unterhaltsame Analyse ermöglicht es dem Leser, die Kunstwerke zu betrachten und die sinnlichen Qualitäten der impressionistischen Malerei besser zu schätzen.
