Ilya Kabakov, ein Künstler, dessen umfangreiche Werke die implodierten Träume der Sowjetunion ins Visier nahmen und dabei der Installationskunst neue Möglichkeiten eröffneten, ist am Samstag im Alter von 89 Jahren verstorben. Sein Tod wurde am selben Tag von seiner Familie bekannt gegeben.
In riesigen Einrichtungen thematisierte Kabakow die vielen Fehler der Sowjetunion, in der er jahrzehntelang lebte, bevor er in den Westen ging. Durch die Konstruktion von Welten imaginärer Charaktere durch Kunstwerke bot Kabakov den Zuschauern auf der ganzen Welt erweiterte Versionen der Realität, in der er lebte.
Kabakows Ansichten waren hart, traurig und ausdrücklich staatskritisch und unterschieden sich in diesem Sinne stark von der von der Regierung anerkannten Kunst der Sowjetunion. Aus diesem Grund wurde er zu einem Giganten der „inoffiziellen“ Kunstszene der Sowjetunion und produzierte heimlich – und sogar gefährlich – Werke, die jenseits des Mainstreams existierten.
Diese Werke konnten in der Sowjetunion nicht ausgestellt, aber anderswo aufgeführt werden. Mit dem Ende des Kalten Krieges hatte Kabakov im Westen Erfolg und verlagerte seine Kunstproduktion schließlich nach Russland, wo viele Künstler Inspiration fanden. Als Ilya Kabakov und seine Frau Emilia 2018 eine Retrospektive in der Tate Modern hatten, nannte ihn die Kunsthistorikerin Claire Bishop „den paradigmatischen Installationskünstler“.
Ilya Kabakovs Durchbruch gelang 1988, als er nach der Eröffnung einer Einzelausstellung bei Ronald Feldman Fine Arts in New York über Nacht ein Erfolg wurde. Die von Ilya Kabakov organisierte Ausstellung mit dem Titel „Zehn Charaktere“ bestand aus einer Reihe von Installationen, die das Aussehen der 10-Zimmer-Wohngemeinschaft simulierten, in der Ilya Kabakov als Kind lebte. Wohngemeinschaften wie diese waren bei Menschen üblich, die sich keine eigene Wohnung leisten konnten, und Ilya Kabakov baute seine Wohnung in Form von Zimmern nach, die von unsichtbaren Charakteren bewohnt wurden.
„He Who Flew into Space from His Apartment“ (1988), das berühmteste davon, zeigte einen abgeschiedenen Raum, dessen Wände mit sowjetischen Propagandabildern bedeckt waren. In der Mitte hing unter einem Loch in der Decke eine improvisierte Steinschleuder, mit der sich der Bewohner offenbar aus dem Raum stürzte.
Die Ausstellung war ein voller Erfolg. „Für diesen Besucher übertrifft es jeden Tag das Kino“, schrieb John Russell in der New York Times. „Der wahre Ausdruck unverfälschter Identitäten wird offengelegt und ungeschützt durch Konventionen“, schrieb Kirby Gookin in Artforum.
Diese Art der künstlerischen Produktion stand im Gegensatz zu vielem, was damals in der Sowjetunion produziert wurde. „Ich war kein russischer Künstler, der dem Westen russische Kunst zeigen wollte“, sagte Ilja Kabakow einmal in einem Interview mit Anton Vidokle, einem russischen Künstler, der E-Flux gründete. „Die konzeptionelle Position bestand darin, das sowjetische Leben mit den Augen eines dort angekommenen ‚Ausländers‘ zu betrachten.“
Als Ilya Kabakovs internationale Popularität zunahm, vergrößerten sich auch seine Einrichtungen. „Labyrinth (My Mother's Album)“, ein Werk aus dem Jahr 1990, das sich heute im Besitz der Tate befindet, führt den Betrachter durch ein Labyrinth, das eine Hommage an Kabakovs persönliche Erfahrungen darstellt; Es enthält sogar den Ton Ihrer eigenen Stimme, wenn Sie russische Lieder singen. Beim Gang durch die größtenteils leeren Flure, die nur von Hängelampen beleuchtet werden, gelangt der Betrachter in die Mitte, einen Raum voller Trümmer. Dem Betrachter bleibt die Frage überlassen, wie sich dies mit den in der Installation gezeigten professionellen Fotos der russischen Stadt Berdjansk vergleichen lässt. Diese von Ihrem Onkel aufgenommenen Bilder sind diejenigen, die die russische Regierung gerne zeigen würde.
Im Jahr 1989 begann Ilya Kabakov mit seiner Nichte Emilia zu arbeiten, die er später heiratete. Gemeinsam lebten sie in Berlin, dann in Paris und schließlich in New York, wo sie die meiste gemeinsame Zeit verbrachten. Von Zeit zu Zeit kehrte er nach Moskau zurück, der Stadt, in der er vor all dem jahrzehntelang gelebt hatte.
Auch nach dem Ende der Sowjetunion schuf Ilja Kabakow weiterhin Kunst über die damit verbundene Utopie. „Die Abgrenzung zum Kommunismus ist gefallen, deshalb handelt meine Arbeit von einer Welt, die nicht mehr existiert – es ist auch ein seltsames Gefühl, die Welt, in der ich so viele Jahre gelebt habe, verschwinden zu sehen“, sagte Ilya Kabakov 1995 der Los Angeles Times .
Ilja Kabakow wurde 1933 in Dnepropetrowsk in der Ukraine geboren. Als der Zweite Weltkrieg begann, zog sein Vater in den Kampf und ließ ihn mit seiner Mutter allein, die ihn zunächst in den Kaukasus und dann nach Samarkand mitnahm. Da sein Vater nach dem Krieg nicht zurückkehrte, lebten sie nomadisch und landeten in Moskau, wo er die Kunstschule am Surikow-Kunstinstitut besuchte.
In einem Interview mit der New York Times erinnerte sich Ilya Kabakov: „Ich habe alles wie ein Affe gelernt, ohne Gefühle. Und als ich fertig war, hatte ich das Gefühl, nicht am Leben zu sein. Also beschloss ich, ein Meisterwerk zu schaffen, in dem ich es konnte.“ Ich habe all meine Ideen, alles, was ich jemals gefühlt hatte, und all die Schönheit, die ich je gesehen hatte, eingebracht. Ich glaubte, dass diese Arbeit mich real machen würde. Ilya Kabakov begann ein großartiges Gemälde, gab es jedoch auf.
Öffentlich veröffentlichte Ilya Kabakov mehr als 100 Kinderbücher, die ihm seinen Lebensunterhalt sicherten. Privat wurde Kabakov in den 1970er und 1980er Jahren zum Anführer einer Bewegung namens Moskauer Konzeptualismus, deren Stil flexibel genug war, um der Zensur zu entgehen. „Responses from an Experimental Group“ (1970-71), eines der in dieser Zeit entstandenen Werke, enthält einen vorgefertigten Kleiderbügel neben einem Raster aus Phrasen, die über künstlerisches Schaffen meditieren. Der Philosoph und Kunstkritiker Boris Groys, ein Kollege von Kabakov, gab zu, dass das Werk nicht ganz erfolgreich war, lobte es aber dennoch als „befreiend“ und stellte fest, dass es ihn in seinem eigenen Schreiben auf einen neuen Weg brachte.
Obwohl Stücke wie dieses größtenteils außerhalb der Öffentlichkeit entstanden, wurden die Arbeiten der Ilya Kabakovs schließlich in Russland ausgestellt. Im Jahr 2008 investierte der russische Oligarch Roman Abramovich drei Millionen US-Dollar in die Renovierung einer ehemaligen Garage, die später zu einem Kunstzentrum in Moskau wurde, auch Garage genannt, in der eine Reihe von Installationen der Kabakovs ausgestellt waren. Im selben Jahr erregte Abramowitsch Aufmerksamkeit, als er bei einer Auktion eines von Ilja Kabakows Gemälden für mehr als 5 Millionen Dollar ersteigerte.
Im Jahr 1995 bemerkte Kabakov die „unerbittliche Feindseligkeit von Sammlern, die keinen Platz zum Unterbringen“ seiner umfassenden Werke, bekannt als „Totalinstallationen“, hatten. Die Dinge hatten offensichtlich begonnen, sich zu ändern, was ihm Unbehagen bereitete. Ilya Kabakov rief die Menge auf, die zur Garage-Eröffnung erschien.
Neben den Installationen schufen die Kabakovs weiterhin grandiose Gemälde. Im Westen fanden sie jedoch keinen Anklang. Claire Bishop schrieb in einer Artforum-Rezension der Tate Modern-Ausstellung: „schreckliche, unverhältnismäßige Pseudocollagen, deren exzessiver Bombast mit dem von Jeff Koons konkurriert – aber anstelle der pornografischen Photoshop-Effekte des letzteren hatten wir Bilder des sozialistischen Realismus, die in Schichten von Trompe-l-Effekten zersplitterten.“ oeil".
Trotzdem schufen sie weiterhin ihre gesamten Installationen, hauptsächlich im Grand Palais in Paris, wo sie 2014 den Auftrag „Monumenta“ ausführten und den gesamten Raum mit einem riesigen Werk namens „Strange City“ füllten, das ein riesiges Werk umfasste Satellitenschüssel.
Im Laufe der Jahre wurden die Werke der Kabakovs an vielen internationalen Orten ausgestellt, darunter bei mehreren Ausgaben der Biennale von Venedig und einer Ausgabe der Documenta, sowie bei großen Retrospektiven in Institutionen wie dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C. und dem Puschkin-Museum in Moskau, wo 2008 eine Retrospektive stattfand.
Ilja Kabakow blieb bis zuletzt strikt kritisch gegenüber Russland; In dem von der staatlichen russischen Nachrichtenagentur TASS verfassten Nachruf auf Ilja Kabakow heißt es, dass die Facebook-Seite seiner Stiftung im Land immer noch verboten sei. Während Ilya Kabakov nicht viel über den Krieg in der Ukraine sagte, tat Emilia dies und nannte ihn in einem Interview mit Art Newspaper im Jahr 2022 „den gruseligsten aller Kriege, weil es möglich erscheint, dass er zu einem totalen Atomkrieg führen könnte“.
Trotz der Bitterkeit ihrer Kunst äußerten die Kabakows gelegentlich optimistische Gefühle. 2005 starteten sie ein Projekt namens „Ship of Tolerance“, ein Holzboot, dessen Segel mit Kinderzeichnungen zum Thema Toleranz bedeckt sind. In den letzten zwei Jahrzehnten hat Ilya Kabakov Sharjah, Miami, Havanna, New York und die Oase Siwa in Ägypten besucht.
„Das Ziel ist natürlich die Verbindung mit anderen Kulturen, und das Schiff ist das Symbol“, sagte Ilya 2011 gegenüber ARTnews. „Kinder reagieren darauf sehr sensibel. Andere Symbole sind der Wind, die Flaschenpost, die Freiheit von.“ das Meer. Kinder müssen wissen, dass ihre Botschaft gehört wird.“
