Was ist Konzeptkunst?
In den 1960er Jahren experimentierten viele Künstler mit Kunst, die Ideen über Objekte und Materialien betonte, die traditionell mit künstlerischem Schaffen verbunden sind. 1967 schrieb Sol LeWitt in seinem Essay „Paragraphs on Conceptual Art“, dass „die Idee selbst, auch wenn sie nicht visuell ist, genauso ein Kunstwerk ist wie jedes fertige Produkt“. Konzeptkünstler nutzen ihre Arbeit, um die Vorstellung davon zu hinterfragen, was Kunst ist, und um die zugrunde liegenden ideologischen Strukturen der künstlerischen Produktion, Distribution und Ausstellung zu kritisieren. Konzeptkunst ist eine Bewegung, die Ideen über die formalen oder visuellen Komponenten von Kunstwerken stellt. Es ist Kunst, bei der die Idee (oder das Konzept) hinter dem Werk wichtiger ist als das fertige Kunstobjekt. Der Konzeptualismus war eher eine Verschmelzung mehrerer Trends als eine eng zusammenhängende Bewegung und nahm unzählige Formen an, wie Performances, Happenings und Ephemera.
Wie ist Konzeptkunst entstanden?
Von Mitte der 1960er bis Mitte der 1970er Jahre produzierten Konzeptkünstler Werke und Schriften, die die Ideen und Standards der Kunst vollständig ablehnten. Die Hauptidee, dass die Artikulation einer künstlerischen Idee ausreicht, impliziert, dass Aspekte wie Ästhetik, Ausdruck, Handwerk und Kommerzialisierung für die Beurteilung von Kunst irrelevant werden. Dieses drastisch vereinfachte Denken, das vielen Menschen suggerieren mag, dass das, was als Konzeptkunst durchgeht, nicht wirklich "Kunst" ist, wie es Jackson Pollocks Gemälde oder Brillo Boxes (1964) tun, schien aller bisherigen Kunst zu widersprechen. Aber es ist wichtig zu verstehen, dass diese Bewegung eine Abfolge von Avantgarde-Bewegungen ist Kubismus, Dadaismus, Abstrakter Expressionismus, Pop-Art, dem es gelang, die Grenzen der Kunst bewusst zu erweitern. Marcel Duchamp wird oft als wichtiger Urvater der Konzeptkunst angesehen, und seine Readymade-Schrift von 1917 wird als erstes Werk der Konzeptkunst bezeichnet. Die Bewegung, die Mitte der 1960er Jahre entstand und sich bis Mitte der 1970er Jahre fortsetzte, war international und fand mehr oder weniger gleichzeitig in Europa, Nordamerika und Südamerika statt. Mit der Bewegung verbundene Künstler versuchten, die zunehmend kommerzialisierte Kunstwelt zu umgehen, indem sie Denkprozesse und Produktionsmethoden als Wert der Arbeit betonten. Die verwendeten Kunstformen waren oft absichtlich solche, die kein fertiges Objekt wie eine Skulptur oder ein Gemälde hervorbrachten. Dies bedeutete, dass die Arbeit nicht einfach gekauft und verkauft werden konnte und nicht in einer formellen Galeriesituation betrachtet werden musste.
Es waren nicht nur die Strukturen der Kunstwelt, die viele Konzeptkünstler in Frage stellten, viele ihrer Arbeiten hatten oft eine starke soziopolitische Dimension, die eine allgemeine Unzufriedenheit mit der Gesellschaft und der Regierungspolitik widerspiegelte. Ein Beispiel dafür ist die Idee von soziale Skulptur von Josef Beuys. Obwohl als künstlerische BewegungWährend Konzeptkunst mit den 1960er Jahren in Verbindung gebracht wird, schaffen viele Künstler auch im 21. Jahrhundert Konzeptkunst (wie Martin Creed und Simon Starling).
Konzeptkünstler definieren erfolgreich den Begriff eines Kunstwerks neu, da ihre Bemühungen weithin als Kunst akzeptiert werden, sei es von Sammlern, Galeristen oder Museumskuratoren. Obwohl der Begriff "Konzeptkunst" in den frühen 1960er Jahren verwendet wurde (Henry Flynt von der Fluxus-Gruppe beschrieb seine Performance-Stücke 1961 als "Konzeptkunst", entwickelte sich die Konzeptkunst erst Ende der 1960er Jahre zu einer Bewegung mit Definition . Joseph Kosuths Serie mit dem Titel (Art as Idea as Idea) 1966–7; der Vorschlag für eine Ausstellung Air Show Air/Conditioning 1966–7 der englischen Künstler Terry Atkinson und Michael Baldwin (Gründungsmitglieder der Gruppe Art & Language); John Baldessaris Wortbilder, die 1968 in Los Angeles ausgestellt wurden; und wichtige Gruppenausstellungen wie die vom Kunsthändler Seth Siegelaub vom 1. bis 31. Januar 1969 in New York organisierte: 0 Objekte, 0 Maler, 0 Bildhauer spiegelten diese wachsende ideenbasierte Herangehensweise an das Kunstmachen wider.Der Begriff Konzeptkunst wurde erstmals in einem Artikel von Sol LeWitt aus dem Jahr 1967 verwendet, um sich auf diese charakteristische Bewegung zu beziehen:„In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt der Arbeit. Wenn ein Künstler eine konzeptionelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist.“ — LeWitt, 'Paragraphs on Conceptual Art', Artforum Vol.5, No. 10, Sommer 1967, S. 79-83
1973 erschien eine bahnbrechende Aufzeichnung der frühen Jahre der Bewegung in Form eines Buches, Six Years, der amerikanischen Kritikerin Lucy Lippard. Die „sechs Jahre“ waren 1966-72. Der lange Untertitel des Buches bezog sich auf „sogenannte Konzept- oder Informations- oder Ideenkunst“. 
Konzeptkunst kann fast alles sein und aussehen. Denn im Gegensatz zu einem Maler oder Bildhauer, der beim Schaffen mit Farbe oder bildhauerischen Materialien und Techniken darüber nachdenkt, wie er seine Idee am besten ausdrücken kann, verwendet ein Konzeptkünstler jedes Material und jede Form, die am besten geeignet ist, um seine Idee zu vermitteln – so gut es geht alles sein, von einer Leistung bis hin zu einer schriftlichen Beschreibung. Während es keinen Stil oder eine Form gibt, die von Konzeptkünstlern verwendet werden, entstanden ab den späten 1960er Jahren bestimmte Trends. Einer der ersten, der den Begriff der ideenbasierten Kunst bis zu seiner logischen Schlussfolgerung verfolgte, war Joseph Kosuth, der ein hochanalytisches Modell entwickelte, das auf der Vorstellung basierte, dass Kunst ihren eigenen Zweck ständig hinterfragen muss. Am bekanntesten verteidigte Kosuth seine Ideen in einem dreiteiligen Aufsatz mit dem Titel „Kunst nach der Philosophie“ (1969) und argumentierte, dass es notwendig sei, die traditionelle Kunst aufzugeben, um diese Selbstkritik fortzusetzen. Der Künstler stellte die Vorstellung in Frage, dass Kunst notwendigerweise in einer visuellen Form manifestiert werden muss. Konzeptkunst wurde als Idee von Lawrence Weiner in seiner „Declaration of Intent“ von 1968 auf die Spitze getrieben, in der er erklärte, dass er die Praxis des Schaffens physischer Kunst verlassen würde, und verwies auf die Notwendigkeit, etwas nicht zu bauen, wenn die Idee dahinter steckt jede Kunstwerk sollte ausreichen, da die Absicht des Künstlers dieselbe bleibt (oder im Idealfall sollte), unabhängig davon, ob das Werk in physischer oder lediglich konzeptioneller Form vorliegt.
Die Künstlerischen Kollektive
Obwohl konzeptualistische Künstler für immer eine disparate internationale Gruppe geblieben sind, die viele Ideen über zeitgenössische Kunst hegte, war es Ende der 1960er Jahre ziemlich offensichtlich, dass eine lose Bewegung zusammenkam. 1968 förderte eine Reihe von Konzeptkunstausstellungen die Bewegung in New York, die vom Händler und Kurator Seth Siegelaub organisiert wurde. 1969 brachte das Museum of Modern Art in New York mehrere Künstler der Bewegung zu einer Ausstellung mit dem Titel "Information" zusammen. Dieses Ereignis sollte nicht unbedenklich aufgenommen werden, da der Konzeptualismus das institutionelle System der Museen und ihre marktorientierten Interessen, das System, in dem sie ausstellten, weitgehend kritisierte.
1967 gründete ein Kollektiv britischer Künstler die Gruppe Art & Language, während sie Kunst in Coventry, England, unterrichteten. Durch eine Reihe von veröffentlichten Zeitschriften zeigte die Gruppe eine erklärte Abneigung gegen die Einbeziehung moderner Kunst und des Marktes. In den nächsten Jahren schlossen sich viele der Gruppe an, deren rotierende Mitgliedschaft ungefähr 50 Künstler erreichen würde, bevor sie Ende der 1970er Jahre zurückging.
Andere Künstlerkollektive waren ebenso politisch ausgerichtet. Die kanadische Gruppe General Idea hatte eine kleine Mitgliedschaft von drei Künstlern, Felix Partz, Jorge Zontal und AA Bronson, die sich vergänglichen Werken und Installationen zuwandten. Von 1967 bis 1994 tätig, befasste er sich in den 1980er Jahren mit der Pharmaindustrie und der AIDS-Krise. In Südamerika fanden Künstler im Konzeptualismus einen effektiven Weg zu Kreativität und politischer Opposition. Dort war der Konzeptualismus besonders attraktiv, da er kein importierter Stil per se war, sondern ein Ausdrucksmittel ohne einen einzigen Bezugsrahmen, sei es kulturell, ästhetisch oder ideologisch. Künstlerkollektive boten Anonymität und damit Schutz vor Verfolgung durch repressive Behörden und die Möglichkeit, starke gesellschaftliche Statements abzugeben.
Konzeptkunst im 21. Jahrhundert
Während das von Joseph Kosuth und Art & Language geförderte konzeptuelle Kunstmodell als Inbegriff der Bewegung angesehen werden kann, erkundeten andere Wege, die wohl einflussreich waren. Die Konzeptkunst entzog sich den handwerklichen und stilistischen Konventionen so weit, dass von einer erneuten Betonung des Inhalts gesprochen werden konnte, der unter der kritischen Betonung der Form weitgehend verbannt worden war. Entstanden in einer Zeit großer sozialer Umwälzungen, hat der zentrale Tenor des Konzeptualismus – dass die Idee an erster Stelle steht – breite Anwendung bei Künstlern gefunden, die verschiedene soziale Themen betonen möchten. Soziale Themen, die von internationalen Künstlern wie Hans Haacke, Martha Rosler, Jenny Holzer, Luis Caminzer, Alfredo Jaar und Ai Weiwei angesprochen werden, umfassen Arbeits- und Geschlechterverhältnisse, Museumsmanagement, Armut und Zensur.
Während die Bewegung oft die soziale Konstruktion des Kunstwerks betonte, war der Konzeptualismus nicht populistisch und hatte aufgrund seiner mysteriösen Wahrnehmung außerhalb der Kunstwelt nur begrenzte Popularität. Darüber hinaus begannen sich Mitte der 1970er Jahre Brüche in der Bewegung zu entwickeln, die zur Auflösung der Bewegung führten. Diese Bewegung inspirierte jedoch nachfolgende postkonzeptionelle Künstler, von denen viele die materielle Grundlage der Kunst und die Sprache der visuellen Kultur annahmen, wie die von Cindy Sherman und Richard Prince angeführte Pictures Generation. Andere umgingen weiterhin die traditionelle künstlerische Produktion durch Performance Art oder Installationen. Daher finden sich viele der Bedenken und einige seiner strengen Stile und Taktiken heute in den Werken einer Vielzahl von Künstlern fort, darunter Andrea Fraser, Tino Sehgal, Gabriel Orozco, Recreate Tiravanija, Glenn Ligon und Damien Hirst.
