Precisa de algumas recomendações para construir sua coleção de livros de história da arte? Reunimos uma lista de livros obrigatórios abaixo que cobrem a história da arte desde a antiguidade clássica até o presente. A história da arte é uma disciplina maleável, sujeita a revisões e reavaliações recorrentes. Mas a compreensão dos desenvolvimentos na arte depende disso. Aprimore os seus estudos neste campo com uma ou muitas das nossas escolhas.
1.Penelope JE Davies, et al., Janson's History of Art (9ª edição)
Por mais de 60 anos, o livro de Horst Woldemar Janson serviu como referencia para os cursos de História da Arte, prometendo uma visão abrangente da pintura, escultura e arquitetura desde o início da civilização até o presente. Na maior parte, esta certo – exceto aa omissão titânica das mulheres artistas. Janson não acreditava que houvesse nas mulheres artistas algo digno de consideração séria, um preconceito consistente na era do Mad Men, que o autor manteve até sua morte, em 1982. No entanto, uma revisão de 2006 basicamente escreveu Janson fora do seu próprio livro, embora o seu nome permanecesse no título. Obras-primas (como a pintura Arranjo em cinza e preto nº 1 de James McNeill Whistler, de 1871 , também conhecida como Mãe de Whistler) outrora suprimidos, enquanto disciplinas anteriormente ignoradas (fotografia e arte decorativa) foram adicionadas – assim como, finalmente, as artistas mulheres. Além disso, substituiu o foco de Janson no artista masculino como génio para uma leitura mais abrangente que leva em consideração a classe e género. Esta edição mais recente, publicada em 2013, expande a cobertura da arte islâmica.
2.Hal Foster, Rosalind Krauss, et al., Art Since 1900 (3ª Edição, dois volumes)
Compilado por colaboradores associados a October, o quadrimestral crítico de arte conhecido pela sua escrita densa e difícil, publicou Art Since 1900, em 2005. O livro mantém atitude e a inclinação pós-estruturalista, o que quer dizer, que é cético em relação à noção de que a arte incorpora expressões individuais que transcendem o tempo. Assim, o livro não acompanha o desenvolvimento do que chamado modernismo, anti-modernismo e pós-modernismo por meio de artistas ou movimentos. Em vez disso, trata a arte do século XX com uma desconstrução textual com pequenos ensaios vinculados a certos eventos culturais ou históricos para cada ano entre 1900 e 2003, começando com a publicação da Interpretação dos Sonhos de Sigmund Freud e terminando com a 50ª Bienal de Veneza. Art Since 1900 exemplifica a natureza não hierárquica do discurso histórico que prevalece até hoje.
3. Giorgio Vasari, Vidas dos Artistas
As biografias de Giorgio Vasari dos principais artistas do Renascimento italiano introduziu o conceito de história da arte como conhecemos. Muitos dos dos artistas foram quase contemporâneos (viveu de 1511 a 1574), tornando o texto uma fonte primária para estudar a época histórica que inaugurou a tradição ocidental na arte (até recentemente ligada ao género narrativo inventado por Vasari). Originalmente publicado em 1550, Vidas abrange o período entre Cimabue (1240–1302) e Michelangelo (1475–1564) e é precedido por um tratado geral sobre arquitetura, escultura e pintura. Historiadores posteriores culpariam Vasari por estar muito focado nos artistas de Florença e Roma, embora o livro tenha sido ampliado em 1568 para incluir membros da Escola de Veneza como Ticiano. Mas enquanto viveu não olhou além da Itália, a sua influência se espalhou rapidamente na Europa, com a primeira de muitas traduções aparecendo na República Holandesa em 1604.
4.Mary Beard e John Henderson, Classical Art: From Greece to Rome
Embora a segunda metade do seu título sugira uma pesquisa que começa com a Grécia Antiga, este livro é realmente mais sobre esta última civilização. Propõe que sem o Império Romano, a arte clássica não teria durado para desencadear o Renascimento. Os autores argumentam que a transmissão da estética grega de Roma lançou as bases para a arte ocidental, e ainda afirmam que os romanos não imitaram a arte grega, mas sim a reinterpretaram e reinventaram. Os cinco capítulos do livro cobrem pintura, escultura, retratos e monumentos, observando o papel da luxúria - por poder, posteridade e sexo. Viagens paralelas a sítios arqueológicos como Pompeia exploram como novas descobertas mantém nosso fascínio por objetos da antiguidade, observando que a sua sobrevivência é, em última análise, uma questão de sorte.
5. HH Arnason, História da Arte Moderna
Com mais de 650 páginas, a História da Arte Moderna de HH Arnason parece assustadora, mas desde sua aparição em 1968, serviu como o relato essencial da arte do século XX. O livro começa com Paris durante o século XIX, quando começa as noções de arte pela arte com artistas como Manet, Monet, Gaugin, Van Gogh, Seurat e Cézanne que dispararam os primeiros tiros do modernismo. Continua a relatar os principais movimentos - cubismo, dadaísmo, Bauhaus, surrealismo, expressionismo abstrato, arte pop - que impactaram os últimos 100 anos de pintura, escultura e arquitetura. Usando ilustrações generosas e linguagem acessível, o livro conta a história de uma era revolucionária que transformou nosso pensamento sobre o mundo e o lugar da arte. Já na sua sétima edição, História da Arte Moderna foi repetidamente atualizado para incluir os mais recentes desenvolvimentos artísticos à medida que o século XX dá lugar ao século XXI.
6. EH Gombrich, A História da Arte
No início deste livro (que também aparece entre Art in America's escolhe leituras essenciais), o autor EH Gombrich observa: “Não existe realmente arte. Só existem artistas.” Essa afirmação dá o tom do que se tornou um dos livros mais populares da história da arte. Abjurando discussões abrangentes de movimentos ou conceitos, Gombrich concentrou-se em obras de arte individuais e nas figuras por trás delas. Exceto por algumas diversões na arte antiga e tribal, isso invariavelmente significa pintores do Ocidente. Ainda assim, Gombrich assume uma posição notável para um historiador da arte ao sustentar que a história da arte pode obscurecer, bem como elucidar, a experiência da arte ao transmitir informações estranhas ao ato de ver. Ligando artistas tão diversos quanto Raphael e Cézanne ao longo do tempo, Gombrich insiste que todos enfrentaram desafios semelhantes para fazer o seu trabalho.
7. Edição Phaidon, The Art Book
Inteligente e ricamente produzido, o diretório de artistas de A a Z da Phaidon ao longo da história é o acessório de mesa de centro que deve ter na sua biblioteca. Desde a Idade Média até hoje, o livro apresenta 500 artistas e, embora alguns sejam mais conhecidos do que outros, cada um recebe o mesmo tratamento: uma reprodução de página inteira e colorida de uma obra-chave impressa com nitidez atenção aos detalhes. Cada entrada é acompanhada por um breve texto com uma visão geral da carreira do respectivo artista escrito em linguagem clara e fácil de seguir. Em qualquer lugar que abrir este volume, encontrará imagens de tirar o fôlego e, como os artistas são apresentados em ordem alfabética, encontrará justaposições inesperadas de movimentos e eras em cada página, como o pintor holandês do século XVII Hendrick ter Brugghen e o conceptualista francês contemporâneo Daniel Buren. No entanto The Art Book inclina-se fortemente para a pintura, também abrange escultura, fotografia, vídeo e instalação.
8.Richard Shone e Jean-Paul Stonard, eds., The Books that Shaped Art History: From Gombrich and Greenberg to Alpers and Krauss
Embora seja um livro de história da arte sobre livros de história da arte, este livro é uma compilação de ensaios que cobrem os marcos do século XX, referindo que os desenvolvimentos na arte estão ligados às mudanças nos estudos. Reunindo um amplo grupo de importantes estudiosos e curadores, The Books that Shaped Art History examina 12 textos que introduziram conceitos críticos importantes para o campo, começando com Arte Religiosa na França do século XIII, escrito por Émile Mâle em 1898, os primeiros estudos da arte medieval, o livro de Mâle também foi um dos primeiros a usar a iconografia para desvendar o significado das imagens. Outro livro, Princípios de História da Arte de Heinrich Wölfflin, de 1915, formulou o método agora comum de comparar obras de arte com base no estilo.
9. Sharon F. Patton, arte afro-americana
A pesquisa de 1998 de Sharon F. Patton conecta a arte afro-americana à experiência africana entre o início do século XVIII e o final do século XX. Patton começa com a escravidão, abordando a arquitetura das plantações e as influências africanas que informam as moradias escravizadas construídas para nos estados do sul. Passando para as artes folclóricas e decorativas do século XIX, Patton considera o impacto de grandes eventos - como a Guerra Civil, a Reconstrução e a Grande Migração - na arte feita por afro-americanos. Finalmente, a autora explora como a estética afro-americana foi formada durante o século XX por pessoas como o movimento Novo Negro da década de 1920, o nacionalismo negro nas décadas de 1960 e 1970 e as políticas identitárias da década de 1990.
10. Charles Townsend Harrison e Paul Wood, eds., Art in Theory 1900–2000 , (2ª edição)
Como o título observa, este livro examina a dependência única da arte do século XX na teoria. No período anterior ao que é conhecido como arte moderna, os debates estéticos centravam-se principalmente na técnica; durante o final do século XVIII e início do século XIX, por exemplo, a Academia Francesa foi abalada por discussões entre dois grupos - os Poussinistes, nomeados em homenagem ao neoclássico do século XVII Nicholas Poussin, e os Rubenistes, nomeados em homenagem ao contemporâneo mais velho de Poussin, Peter Paul Rubens - sobre que era mais importante para a pintura, linha ou cor. O modernismo, no entanto, formulou toda uma filosofia para transformar radicalmente a arte, impulsionando o movimento, como escrevem Charles Harrison e Paul Wood, das “margens do aviso público para o centro da economia cultural”. Harrison e Wood capturam incisivamente essa revolução do pós-impressionismo ao pós-modernismo.
11.Whitney Chadwick, Mulheres, Arte e Sociedade (6ª edição)
Durante séculos, os historiadores da arte ignoraram as artistas femininas, e os poucos que conseguiram obter reconhecimento só o fizeram porque se supunha que alguma forma haviam superado as limitações do seu sexo. De acordo com essa crença, as mulheres não poderiam se tornar artistas por mérito próprio porque o seu género tornava impossível fazê-lo. Esta ideia começou a desaparecer durante as últimas décadas do século passado, à medida que as realizações das artistas mulheres se tornaram visíveis demais para serem ignoradas. Nomes esquecidos do passado estavam sendo reavaliados, e este estudo de 1996 traz à luz muitos desses artistas da Idade Média em diante. Mais importante, o livro ilumina as suas lutas contra a misoginia dos seus respectivos tempos e como persistiram em prosseguir com o seu trabalho.
