O que é Performance Art?
Performance Art é um movimento representado ao vivo na frente do público ou seja, são obras criadas por meio de ações realizadas pelo artista ou outros participantes. Este movimento diferencia-se do teatro tradicional pela sua rejeição de uma narrativa clara, pelo uso de estruturas aleatórias ou por ter por base o acaso e apelo direto ao público.
Kazuo Shiraga
Quando surgiu a Performance Art?
Este movimento surgiu na segunda metade do século XX, nas décadas de 1960 e 1970 nos Estados Unidos da América, a partir do desenvolvimento de outros movimentos, como arte pop, minimalismo e arte conceitual. Neste período pós-guerra, a performance alinhou-se assim com a arte conceptual, devido à sua natureza muitas vezes imaterial, e ofereceu a vivacidade, o movimento físico e a impermanência aos artistas que queriam uma alternativa à permanência estática da pintura e da escultura.
Enquanto os termos 'performance' e 'performance art' só se tornaram amplamente utilizados na década de 1970, a história da performance nas artes visuais advém das produções futuristas e cabarés Dadaístas, da década de 1910. O principal objetivo deste movimento quase sempre foi desafiar as convenções das formas tradicionais de arte visual, como pintura e escultura. Quando esses modos não parecem mais responder às necessidades dos artistas - quando parecem muito conservadores, ou muito enredados no mundo da arte tradicional e muito distantes das pessoas comuns - os artistas muitas vezes voltam-se para a performance para encontrar novos públicos e testar novas ideias.
Robert Rauschenberg
Como a performance art é diferente de muitas outras formas de expressão artísticas?
Após a Segunda Guerra Mundial, a performance surgiu como uma maneira útil para os artistas explorarem questões filosóficas e psicológicas sobre a existência humana. Para esta geração, que testemunhou a destruição causada pelo Holocausto e pela bomba atómica, o corpo ofereceu um meio poderoso para comunicar experiências físicas e emocionais compartilhadas. Enquanto a pintura e a escultura dependiam de forma e conteúdo expressivos para transmitir significado, a performance força os espectadores a se envolverem com uma pessoa real que podia sentir frio e fome, medo e dor, excitação e constrangimento – exatamente como eles. Assim, a performances exploram os nossos instintos mais básicos: o comportamento humano, necessidades físicas e psicológicas de comida, abrigo, sexo e interação humana, medos individuais e autoconsciência, preocupações sobre a vida, o futuro e o mundo. Existem algumas variedades do termo performance art, como por exemplo, “ações” ou até action painting. O artista alemão Joseph Beuys preferia o termo ações porque distinguia a performance artística dos tipos mais convencionais de entretenimento encontrados no teatro. Embora o termo engloba uma ampla gama de práticas artísticas que envolvem experiência corporal e ação ao vivo, as suas conotações radicais derivam desse desafio sobre os costumes sociais convencionais e valores artísticos do passado.
Marina Abramović e Ulay
Alguns artistas, inspirados em grande parte pelo expressionismo abstrato, usaram a performance para enfatizar o papel do corpo na produção artística. Diante de uma plateia ao vivo, Kazuo Shiraga, do Japanese Gutai Group, criou uma escultura ao rastejar por uma pilha de lama. Georges Mathieu encenou performances semelhantes em Paris, onde jogou tinta violentamente na sua tela. Houve assim uma transformação da atenção da arte do objeto para a ação do artista, criando tensão entre o que é arte e o que é vida. Exemplo disso, são as performances de Marina Abramović, as composições musicais de John Cage, como 4 '33 ``, a partida de ténis eletrónico de nove noites no escuro de Robert Rauschenberg, entre outras.
Yoko Ono e John Lennon
Artistas, poetas e músicos do Fluxus também desafiaram os espectadores apresentando os eventos mais mundanos – escovar os dentes, fazer uma salada, sair do teatro – como formas de arte. Um exemplo bem conhecido é o “bed-in” que a artista do Fluxus, Yoko Ono, encenou em 1969, com o seu marido John Lennon. Típico de muitas performances, Yoko Ono e Lennon fizeram da atividade humana comum um espetáculo público, que exigia interação pessoal e aumentava a conscientização popular sobre suas crenças pacifistas.
Carolee Schneemann
No ambiente politizado da década de 1960, muitos artistas empregavam a performance para abordar preocupações sociais emergentes. Para artistas feministas em particular, usar o seu corpo em performances ao vivo provou ser eficaz em desafiar as representações históricas das mulheres. De acordo com a tradição do passado, artistas como Carolee Schneemann, Hannah Wilke e Valie Export exibiram os seus corpos nus para o olhar do espectador, mas resistiram à noção idealizada de mulheres como objetos passivos de beleza e desejo. Por meio das suas palavras e ações, confrontaram o público e levantaram questões sobre a relação da experiência feminina com crenças e instituições culturais, aparência física e funções corporais, incluindo menstruação e gravidez.
Hannah Wilke
Performance no Século XXI
A aceitação da performance no mainstream nos últimos 30 anos levou a novas tendências na prática e compreensão. Ironicamente, a necessidade de posicionar a performance na história da arte levou os museus a concentrarem-se fortemente em fotografias e vídeos para conseguirem documentar os eventos ao vivo. Em 2010, Marina Abramović, pioneira da performance, teve a primeira retrospectiva de performance do Museu de Arte Moderna. A artista começou a usar seu próprio corpo como sujeito, objeto e meio de seu trabalho no início dos anos 1970, apresentou no MoMA a exposição Marina Abramović: The Artist Is Present. Todos os dias em que o Museu esteve aberto entre 14 de março e 31 de maio de 2010, a própria Marina Abramović esteve sentada em frente a uma cadeira vazia na qual os visitantes do museu foram convidados a se sentarem à sua frente pelo tempo que quisessem. The Artist Is Present é a performance mais longa de Marina Abramović até hoje.
