1. „Agnès Varda: Licht und Schatten“ von Serralves
Agnès Varda (1928-2019) behauptet, drei Leben gehabt zu haben: zuerst als Fotografin, dann als Filmemacherin und schließlich als Künstlerin. Diese Ausstellung durchläuft jede dieser drei Modalitäten und zeugt davon, wie sich ihre künstlerische Produktion im Dialog mit ihrer filmischen Arbeit entwickelt hat, und ist auch repräsentativ für die Art und Weise, wie sich die Regisseurin neu erfand. Das filmische Werk von Agnès Varda gilt als Begründerin, wenn nicht sogar als Vorläuferin der französischen Nouvelle Vague-Bewegung. Von der Fotografie kommend, basierte ihre Ankunft in der Regie auf einer direkten Beziehung zur Welt, dem Filmen im Freien und der Neuerfindung des dokumentarischen Ansatzes. Bei rund vier Dutzend Filmen, die in mehr als sechs Jahrzehnten gedreht wurden, lassen sich einige Wiederholungen im Werk des Regisseurs ausmachen: die Vorliebe für Porträts und Selbstporträts, die provokanten Schilderungen von Familien- und Liebesidealen, der Film als Handlungsform Politik (sie schloss sich den Black Panthers an, kämpfte im Vietnamkrieg, fotografierte die kubanische Revolution, nahm an der feministischen Bewegung teil), die Feier des Community Sharing und später die Reflexion über die Themen Recycling und Altern. Beim Filmen von Dokumentarfilmen und inszenierten Dokumentarfilmen findet Vardas Arbeit in ihrer Vielfalt die Stärke einer Offenheit, die immer bereit ist, dem anderen zuzuhören. In diesem im Dialog mit der Ausstellung Agnès Varda: Luz e Sombra programmierten Zyklus wird eine Auswahl ihrer Filme präsentiert, die die inneren Reflexionen einer von der Kraft des Dialogs geprägten Arbeit offenlegen.
2. „Warhol, Menschen und Dinge“ in der Casa São Roque
Casa São Roque (R. São Roque da Lameira 2092), einer der schönsten Orte in Porto, dient als Bühne für die Ausstellung „Warhol, People and Things“. Diese umfangreiche Ausstellung ist bis zum 31. Januar 2023 für die Öffentlichkeit zugänglich Andy Warhol und sein Einfluss auf mehrere Generationen von Fotografen, Filmemachern, Musikern und Multimedia-Künstlern. Die Ausstellung umfasst Werke von Warhol, aber auch von seinen engsten Freunden. Eine einmalige Gelegenheit, einen der beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts (wieder) zu entdecken. XX! Um Casa São Roque und die Warhol gewidmete Ausstellung zu besuchen, kostet das volle Ticket 8 €; 4 € für Jugendliche zwischen 13 und 18 Jahren und für Erwachsene über 65 Jahre (Montag, Mittwoch bis Sonntag (Dienstag geschlossen), von 13:30 bis 20:00 Uhr).
3. „Jorge Queiroz und Arshile Gorky To Go To“ weiter Sammlung des modernen Kunstzentrums
Die Ausstellung «Jorge Queiroz und Arshile Gorky. To Go To» versammelt Zeichnungen und Gemälde des portugiesischen Künstlers Jorge Queiroz und des armenisch-amerikanischen Künstlers Arshile Gorky, die beide in der Sammlung des Centro de Arte Moderna vertreten sind.
Jorge Queiroz und Arshile Gorki. To Go To ist eine imaginäre Begegnung zwischen zwei Künstlern aus unterschiedlichen Zeiten, Orten und künstlerischen Welten, aber mit vielen Gemeinsamkeiten.
Jorge Queiroz (Lissabon, 1966) ist der Autor eines der faszinierendsten künstlerischen Universen im aktuellen Panorama der portugiesischen Kunst, und Arshile Gorky (Khorkom, Armenien, um 1904 – Sherman, Connecticut, USA, 1948) gilt als der «Vater» des amerikanischen abstrakten Expressionismus der Nachkriegszeit und eine grundlegende Referenz der westlichen Kunst in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Gorkys erste Einzelausstellung in Europa fand 1984 im Modern Art Centre der Calouste Gulbenkian Foundation statt. Werke der beiden Maler sind Teil der Sammlung des Modern Art Centre. Eine kraftvolle Bildsprache, unterbrochen von starken, lebendigen Farben und einer dominanten Abstraktion, weckt Erinnerungen und Erzählungen, die in den Werken beider Künstler auf undeutliche und unwirkliche Weise zum Ausdruck kommen. Zeichnungen und Gemälde von Gorki und Queiroz sind Teil dieser als Installation angelegten Ausstellung. Die Werke haben ein Eigenleben, aber sie atmen die gleiche Atmosphäre.
4. „Die Landschaft ist für immer“ mit Werken von Ai Weiwei, Niek Te Wierik und Sara Leme weiterEugénio de Almeida-Stiftung (FEA)
In der langen Dauer der Geschichte bilden die Steine ein mächtiges Reservoir von Ereignissen, die sich in der geologischen Zeit und in der langsamen Gestaltung der Landschaft abspielten. Gerade im Stein und im Material des Steins findet sich die Landschaft als Ahneninschrift, auch wenn wir wissen, dass Dauer im Vergänglichen, wie Peter Handke sagte, in der einfachen Gegenwart, im Sein, existiert Umriss der Horizontlinie, im stillen Dialog, den die Wurzeln mit dem Himmel führen. An diesem fragilen Ort zwischen Ewigkeit und Sensibilität kreuzen sich die Arbeiten der drei hier gezeigten Künstler.
Ai Weiwei hat seinen politischen Aktivismus zur Verteidigung von Freiheit und Bürgerrechten in den Mittelpunkt eines breiten und facettenreichen Werks gestellt. Aber seine Beziehungen zur chinesischen Geschichte und Kultur bleiben für den Künstler, der derzeit zwischen Peking, Deutschland, England und Portugal lebt, von grundlegender Bedeutung. Das bestätigt das jetzt vorgestellte Stück aus dem Jahr 2021. Es ist eine ursprünglich aus Afghanistan stammende Marmorscheibe, die der Künstler Bi nannte, um an die alten kulturellen Wurzeln seines Landes zu erinnern. Tatsächlich ist Bi in der klassischen chinesischen Kultur eine Jadescheibe, die in rituellen Zeremonien verwendet wird, um den Himmel zu reflektieren. In dieser Art von kulturarchäologischer Geste versetzt der Künstler die Reflexion des Himmels in die Tiefen der Erde, wo sich die Adern des Steins gebildet haben, und bringt so die Tiefe der Zeit, Tradition und alten Geologie an die Oberfläche.
Niek Te Wierik ist ein niederländischer Künstler, der seit langem in Portugal lebt. Mit zahlreichen Arbeiten in den Bereichen Zeichnen und Malen ist der Künstler ein unersättlicher Beobachter der ihn umgebenden natürlichen Umgebung, die er später in einem akribischen Laborprozess festlegt (von der Fotografie über das Skizzieren bis hin zum Zeichnen und Malen). In den Gemälden, aus denen die Ausstellung besteht, ist der Stein Farbe in Form eines Dolmens und Schatten in Form von Licht, der den tausendjährigen Steinhorizont mit den vergänglichen Schatten der Olivenhaine von Alentejo kreuzt.
Es ist genau eine Reflexion über Vergänglichkeit, die uns die Arbeit von Sara Leme bringt, einer jungen Künstlerin, auf deren Weg sich Schmuck, Tanz und Anthropologie überschneiden. In der Ausstellung wird Room (2021) präsentiert, eine Installation mit einer Erinnerung an die jüngste globale Geschichte: Auf einer Leinwand, die aus nebeneinander angeordneten Operationsmasken besteht, konfrontiert uns die Künstlerin mit projizierten Bildern von Alentejo-Wäldern, auf einer fast bewegungslosen Ebene, mit der Leichtigkeit des Windes, der das Blattwerk belebt, als wollte er den Lauf der Zeit anhalten
Als Teil des Programms für den 8. Kongress der Portugiesischen Anthropologie-Vereinigung fordert die Ausstellung die Gegenwart durch die Landschaften heraus, die wir sind, und lädt uns zu einer Reise ein, die so lang ist wie die Poesie, zwischen Baum und Schatten, zwischen Stein und Stein Horizont .
Dies ist eine Serie von hundert Drucken mit Zeichnungen von Pablo Picasso (1881-1973) – die als «Suite Vollard» bekannt wurde, entstanden zwischen 1930 und 1937. Als Ergebnis einer Edition des Museums der Stadt Mülheim (Deutschland) im Jahr 1992 wurde diese Stichsammlung ausgeliehen das Museu da Guarda des Museo de Artes do Gravado a la Estampa Dixital, in Ribeira – A Coruña, und setzt damit das wertschätzende und vertrauensvolle Verhältnis zwischen den beiden Institutionen fort. Die vom Team des Museu da Guarda kuratierte Ausstellung trägt den Titel Pablo Picasso – Die Spiele von Liebe und Tod – Die Vollard-Suite (1930-1937). Diese Serie von Drucken wurde von dem Málaga-Künstler in Auftrag gegeben Kunsthändler Ambroise Vollard (1866-1939) im Jahr 1933.
