Alejándose de la representación fiel, la abstracción es una categoría que se formó en el arte occidental en el siglo XX, a partir de artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning y Mark Rothko. Las obras de JMW Turner, Gustave Courbet, Édouard Manet y los impresionistas, influyeron en lo que hoy categorizamos como abstracción. Pablo Picasso y Georges Braque, crean el primer movimiento de arte abstracto, el cubismo. Esto es fundamental para el futurismo en Italia, la abstracción no objetiva de Wassily Kandinsky, Kasimir Malevich y Piet Mondrian y el purismo de Le Corbusier y Amédée Ozenfant. Se observa que en la segunda mitad del siglo XX, movimientos como el expresionismo abstracto, el arte conceptual y el minimalismo adoptaron el poder y la estética de la abstracción formal en lugar de la representación literal. ¿Te gusta el arte abstracto? Descubre en este artículo 10 artistas con piezas abstractas.
Vieira da Silva
A través de sus obras que van desde lo figurativo hasta lo abstracto, Maria Helena Vieira da Silva marcó la historia del arte portugués e internacional. Su carrera, iniciada en París, estuvo asociada a su versatilidad, con un conjunto de obras que van desde la pintura, la escultura, el tapiz, hasta la ilustración y la escenografía. La artista trabajó y vivió esencialmente en París, sin embargo, es posible descubrir rastros de Lisboa en su obra. Debido a la Segunda Guerra Mundial y al Estado Novo, se refugió en Brasil con su marido, el pintor Arpad Szenes. Con un gran respeto por la pureza de los medios de expresión seleccionados y a través de sus composiciones geométricas originales, se convirtió en una de las artistas abstractas más célebres de la Europa de la posguerra. Sus obras se exhiben en todo el mundo, mostrándose en repetidas retrospectivas.
Catarina Ferreira
Catarina Ferreira es un artista autodidacta en pintura, con una licenciatura en turismo. Suele decir que sabe que es un artista ya que logró sostener un crayón por primera vez. Desde la pandemia, dejó atrás el mundo corporativo y desarrolló su arte, creando obras vibrantes llenas de luz y alegría. Hay algo mágico en ver la belleza de las flores y las plantas y poder transformarlas en bellas pinturas abstractas. Pinta sobre lienzo y papel, siendo este último su tipo de obra más coleccionada. Tu trabajo surge de manera intuitiva, dejando que tu cuerpo y tus emociones guíen tu movimiento. El proceso creativo es su terapia, el lugar donde más se siente ella misma mientras busca la vida y la positividad que ofrece este mundo nuestro. Utiliza pinturas acrílicas, pasteles, carboncillo, óleo, grafito, lápices de colores e incluso elementos de tu jardín. Pasa sus días en casa pintando en su estudio, inspirada en la sencillez de la vida cotidiana y la naturaleza. Sus pinturas son extensiones de su jardín. Actualmente vive en Cascais con su marido y sus perros y dedica su tiempo a viajar entre Cascais y Alentejo, de donde es originaria su familia y donde se siente como en casa.
Maria Luísa Capela
Las obras de los jóvenes. Maria Luísa Capela (Santo Tirso, 1997) se establecen en una forma de composición creativa contemporánea, donde su forma y color van más allá de la pintura por definición y se establecen en un nuevo espacio de dimensión escultórica. Su excepcional producción artística proviene de la rigurosa elección del color y la fuerte volumetría, en un juego entre la bidimensionalidad y la tridimensionalidad. Un espacio abstracto que se nutre de la atención de quienes se ponen a disposición para observarlo, atribuyéndole nuevas relaciones con el mundo visible. Una unidad compositiva que vive en la dinámica permanente entre forma y color que va más allá de la pintura por definición. Actualmente es colaboradora de la Associação POUSIO Arte e Cultura, habiendo formado parte del Proyecto desde su primera residencia artística en Cachopo (Tavira), entre otras actividades, como un proyecto de curaduría por invitación de la Revista GERADOR, en lo que fue su primer proyecto como sanador. La exposición Suspenso - Un lugar de contemplación (2021) fue la exposición en Central Gerador en el evento anual de la revista. Ganó el Premio Revelación en la XV Edición del Premio D. Fernando II en el Museo de las Artes de Sintra (MU.SA) en 2019. Recientemente participó en Contemporary Istanbul (2021) en Turquía; en la exposición Reflexión sobre el espacio - Parte II (2021) comisariada por Carolina Pelletier Fontes y Delfina Sena en el Espaço Útero y también en la Exposición de Finalistas (2021) en la Sociedade Nacional de Belas-Artes TRIDIMENSIONALIDAD APARENTE (2020) en la Galería António Prates ; la XXI Bienal Internacional de Arte de Cerveira (2020) cuyo tema: Diversidad-Investigación. el Complejo Espacio de Comunicación a través del Arte; BARBEITO (2020) en la Casa-Museo Medeiros e Almeida y el Premio Paula Rego, 2ª y 3ª edición (2017 y 2018 respectivamente).
José Pedro Croft
Esculturas y pinturas de geometría reducida caracterizan la obra de José Pedro Croft (1957), uno de los más grandes artistas portugueses contemporáneos. En la década de 1980 inicia su dilatada trayectoria en la escultura, utilizando materiales industriales como la madera y el metal, sobre superficies de vidrio o espejos. Con una dimensión arquitectónica creada a partir de la aplicación de materiales y pigmentos, sus esculturas y pinturas conciben un juego de tensión, desfragmentación y deconstrucción entre luz, sombra y color. Representó a Portugal en la 57 Bienal de Venecia en 2017 y sus obras se pueden encontrar en varios museos nacionales e internacionales, incluido el Museu Coleção Berardo en Lisboa, el Museo de Arte Contemporáneo en Elvas, el Centro Pompidou en Francia y el Museo Rainha Sofia en España.
Árpád Szenes
Árpád Szenes (1897-1985) fue un artista húngaro que se destacó en los campos de la pintura, el dibujo y el grabado. Nacido en Budapest, comenzó a estudiar arte en la Escuela de Bellas Artes de Budapest en 1915. Durante la Primera Guerra Mundial, Szenes sirvió como soldado y fue capturado por los rusos. Tras ser liberado, regresó a la Escuela de Bellas Artes y comenzó a trabajar como artista profesional. Szenes fue uno de los principales representantes del expresionismo húngaro y desarrolló su propio estilo de pintura, caracterizado por colores vivos y formas dramáticas. Sus obras tienen un fuerte contenido emocional y tratan temas como la guerra, la miseria y la soledad. Árpád Szenes fue un artista muy productivo y creativo a lo largo de su carrera, produciendo cientos de obras de arte, incluyendo pinturas, dibujos y grabados. Algunas de sus obras más conocidas incluyen "La guerra", "La Virgen", "El artista y su familia" y "El desierto". Árpád Szenes también defendió activamente la causa judía y participó en varios movimientos políticos y sociales en defensa de los derechos de los judíos. Murió en 1985, dejando un importante legado como uno de los artistas húngaros más importantes del siglo XX.
Joana Duarte
las composiciones de Joana Duarte (Vila Franca de Xira, 1999) describen las líneas esenciales de la pintura: color, forma, textura y movimiento. En sus obras con grandes influencias abstractas, se utilizan pocos elementos con límites indefinidos que crean interesantes relaciones cromáticas de gran sutileza. Los toques de color presentes en su pintura ofrecen al espectador una puerta de entrada a las emociones crudas y lo inmaterial, explorando preferentemente las cualidades táctiles y los efectos sensibles del color. Desde pequeño se ha interesado por el mundo de las artes visuales. Graduada en producción artística en la Escola Artística António Arroio, licenciada en Pintura en la FBAUL, posgraduada en curaduría de arte en la FCSH-UNL y estudiante de Museología en la misma institución. Como artista, participó en varias exposiciones, entre ellas: Exposición Premio Paula Rego 2018 – Casa de las Historias Paula Rego (Cascais); ''Bruja de Arruda'' y ''Brujas y hechizos'' en 2020 – Centro Cultural de Morgado, (Arruda dos Vinhos); “Cuántos A4 caben en el Á-Quatro” 2020 (Barreiro); Exposición ''Premio Pedro Sousa 2020'' - Bienal de Dibujo de Almada; Bienal de Santa Catarina 2022 (Leiria); Exposición “Reserva para o Futuro” – Sociedad Nacional de Bellas Artes, 2022 (Lisboa).
Tito Chambino
En el campo de las bellas artes, Tito Chambino (1996) explora principalmente la escultura/instalación y la pintura, habiendo llegado la primera a asumir una mayor preponderancia en su proyecto autoral. Detrás de su trabajo hay preguntas sobre el espacio -el espacio en la pieza, la pieza en función del espacio que ocupa, y lo que los media-, preguntas sobre el tiempo -como intercambiabilidad de la obra- y preguntas sobre el material y la materia. donde predomina la reducción y simplificación estructural, así como una búsqueda incesante de la perfección de las formas.
Júlio Pomar
En constante movimiento y creación, Júlio Pomar (1926-2018) es uno de los artistas portugueses más destacados del siglo XX. Durante su larga trayectoria creativa, sus obras abordaron temas y temáticas como: la protesta, el erotismo, el fado, la tauromaquia, la literatura, la mitología, los indios Xingu de Brasil, Don Quijote, retratos y animales. Perteneciente a la tercera generación de modernistas, Júlio Pomar es un artista con obras que van desde el neorrealismo hasta el expresionismo, pasando por el abstraccionismo. Realizó principalmente pintura y dibujo, pero también realizó trabajos de grabado, escultura, ilustración, cerámica, vidrio, tapicería, collages, escenografía teatral y decoración mural en azulejos. En los últimos años de su vida, también se dedicó a la poesía y la música.
Nadir Afonso
el artista portugués Nadir Afonso (1920-2013) fue pionero en la abstracción geométrica en Portugal, siendo una figura fundamental para el modernismo de este país. En un período inicial de experimentación pictórica, a través del figurativismo y la representación de lo real, pasa por una estética surrealista que transita hacia el abstraccionismo. Fue así como descubrió su atracción por la pintura geométrica. El artista consideraba que el arte no era el resultado de la imaginación, sino de la observación y manipulación de la forma. Además de la pintura, trabajó en arquitectura, colaborando con arquitectos como Le Corbusier y Oscar Niemeyer. Su producción artística es única y fundamental para el estudio del modernismo en Portugal.
Natália Gromicho
En el sentido más puro, Natália Gromicho creado con un lenguaje que es a la vez lírico y misterioso, alegre y poético. Empleando estas paradojas, la artista aplica su talento en bruto a diferentes técnicas y estilos, creando una sensación de fluidez, profundidad y dominio. el trabajo de Natália Gromicho se centra en imágenes elementales de la naturaleza, el paisaje, la cultura e incluso las personas que encuentra en sus viajes. Estos recuerdos se transforman dramáticamente con contrastes de escala, cambios de enfoque, reflejos irregulares y superficies múltiples o en capas. Para el artista, la percepción sensorial es una actividad espiritual que conduce a una mayor conciencia de la naturaleza y la cultura; este proceso de pensamiento apunta a un nuevo tipo de realismo. Sin embargo, también hace referencia a las concepciones teóricas de deconstrucción surgidas durante el Modernismo.
