Hugo Castilho crea un universo intimista, al combinar su gusto por la fantasía y el dibujo con el relieve de la línea. Partiendo de la superficie, el dibujo, modelado y pintado, surge como una obra tridimensional. En este encuentro se celebra la vida de manera inclusiva, ética y humorística, al abrazar al ser humano, los animales y la naturaleza como vehículos de expresión figurativa.Hugo Castilho nacido en Setúbal en 1995, se graduó en Artes Visuales - Variante Multimedia en 2016, en la Universidad de Évora y, en 2021, completó una Maestría en Pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Expuso individualmente su obra artística en 2017 y 2019 en el Espaço das Artes de la Casa da Cultura de Setúbal, y en 2022 en la Galería Arte Periférica del Centro Cultural de Belém. Colectivamente, expuso en Zetgallery en Braga en 2019 y en Drawing Room Lisboa en Sociedade Nacional de Belas-Artes en 2021, representado por Galeria Arte Periférica. Actualmente, se dedica a la producción de pinturas en altorrelieve y escribe novelas de no ficción. Más información sobre el artistaHugo Castilho en esta entrevista.
Cuéntanos cómo empezó esta pasión por el mundo del arte.
Mi entrada en el mundo del arte estará ligada para siempre al desliz de mi abuela. En el verano de 2016, terminé mi carrera en Artes Visuales - Variante Multimedia, en la Universidad de Évora, y después de un viaje de trabajos temporales cortos, comencé a trabajar a tiempo parcial como operador logístico (lo que odiaba). Un día, a finales de otoño del mismo año, cuando volvía a casa del turno de noche, mi abuela no estaba. Mi madre me había dicho que se había resbalado en el baño y se había roto el fémur y, por tanto, estaba en el hospital de Setúbal. Durante su recuperación, su ya débil estado de salud empeoró con dos golpes sucesivos, y fue en este contexto de incertidumbre y angustia que yo, con apenas veinte años, comencé a pintar.
Desde niño siempre he sentido pasión por el mundo de los dibujos animados (esta era mi profesión soñada), pero no puedo decir que alguna vez haya sentido lo mismo por el mundo del arte. Lo que me llevó a pintar fue, en esencia, el desliz de mi abuela y su consiguiente pérdida de vitalidad. Yo, incapaz de retroceder en el tiempo y de alguna manera evitar que esto suceda, y también perturbado emocionalmente por mi trayectoria profesional (o la falta de ella) -ya que mis animaciones eran un poco descorazonadoras-, en cierta forma fuera de servicio, mientras zigzagueaba por las habitaciones de mi casa, entré a la despensa y encontré dos botes de pintura de esmalte adentro. Ambas as latas - uma com tinta verde e a outra com tinta azul - estavam num canto da pequena divisória como se tivessem perdidas, ou até mesmo escondidas (anos antes, foram utilizadas para pintar uma parede do quarto da minha mãe, e a outra do mi cuarto). Aunque había hecho el curso de Artes Visuales en la escuela secundaria de Setúbal, y mi carrera había estado ligada al campo artístico, nunca me había gustado mucho el aspecto de la pintura y se pueden contar con los dedos de una mano las veces que pinté con acrílico, acuarela, gouache o aceite. Sin embargo, en ese momento y sin pensar muy bien por qué, agarré las latas; Busqué unas brochas (por primera vez desde la secundaria) y unas tablas de mdf (que había comprado para un proyecto de la universidad y que nunca había terminado); Puse todo en el piso de mi habitación y comencé a pintar.
Desde ese encuentro, nunca más dejé las pinturas de esmalte y, poco a poco, la actividad de pintar ocupaba cada vez más mi tiempo libre en los descansos, solo en mi habitación (siempre que, por supuesto, no estaba en compañía de mi abuela). el hospital y luego en una unidad de cuidados a largo plazo). En este sentido, estoy seguro de compartir que la pintura (y el mundo del arte) literalmente se coló en mi vida como una forma terapéutica de entretenerme. En 2017, pocos meses después de esa reunión, y después de que terminara mi contrato de trabajo a tiempo parcial, mi rutina se redujo a dos ocupaciones: cuidar a mi abuela (que se había recuperado mínimamente mientras tanto y volvió a la comodidad de mi hogar) , y haciendo lo que, hasta el momento, ha resultado ser el mayor descubrimiento de mi vida: la pintura.
¿Cómo funciona tu proceso creativo? ¿Cuáles son los elementos que te inspiran?
Con la conclusión de la maestría en pintura, por FBAUL, a principios de 2021, el tema de mi trabajo artístico, perceptible en particular por su discurso figurativo, se ha centrado en mi vida: ya sea a través de recuerdos de un pasado real, distorsionado o ficticio, sumergiéndome nostálgicamente en mis vivencias de niño, y recordando los días de las diferentes estaciones jugando en el campo con mis amigos; o en ambientes domésticos familiares con seres queridos que hace mucho tiempo que no están; ya sea tomando como referencia mi día a día actual, que se desarrolla principalmente en casa, en compañía de los tres elementos que más me inspiran: mi madre, mi abuela y mi gato; pero también por el consumo intensivo de cine, música y literatura. Y, en el exterior, por los imprescindibles paseos por el Estuario del Sado, donde puedo estudiar, con los ojos de quien quiere crear, una variedad de formas de vida animal, que también están ocupadas en sus tareas diarias de supervivencia. Por lo tanto, cada vez que quiero diseñar nuevas piezas, simplemente me siento en mi escritorio y empiezo a dibujar, excavando en mi memoria el contenido almacenado a lo largo del tiempo. Después de garabatear muchos dibujos, es común que algunos me atrapen y serán aquellos que luego utilizaré como estudio y los transpondré al soporte físico del lienzo pictórico: primero esculpiendo y luego pintando.
En tus obras creas un universo íntimo, al combinar tu gusto por la fantasía y el diseño en relieve. Partiendo de la superficie, el dibujo, modelado y pintado, surge como una obra tridimensional. ¿Cómo surgió este interés por la tridimensionalidad?
Creo que el interés por la tridimensionalidad de mi obra me despertó las clases gratuitas de cerámica durante el Máster en Pintura. Sin embargo, el deseo de trabajar con la materia ya existía, aunque nunca la había explorado visualmente. En este caso, me parece que el género cinematográfico de animación stop-motion, donde se utilizan modelos reales para crear los personajes y escenarios para la producción de estas películas, influyó de manera relevante en la voluntad de hacer surgir el lienzo pictórico de la lienzo base mis propios personajes, asignándoles protagonismo con la volumetría de la materia. Como si cobraran vida.
En tus obras de arte se celebra la vida de manera inclusiva, ética y humorística, a través de vehículos de expresión figurativa: el ser humano, los animales y la naturaleza. ¿Cómo sientes que tu trabajo afecta al espectador?
No pienso mucho en eso, pero a veces me hacen sonreír en momentos tristes.
En tu “atelier” trabajas en varios proyectos simultáneamente: ¿cuántos trabajos tienes actualmente “en marcha”? ¿Hay alguno que le presente desafíos específicos que le gustaría compartir?
Por el momento, no tengo ningún conjunto de obras en curso, ya que por séptima vez me desempeñaba profesionalmente fuera del ámbito artístico -esta última como operario de tienda en un centro comercial-, y como era de esperar, aunque diera Me dio cierta estabilidad económica mensual, las más de nueve horas diarias de trabajo metida allí, me impedía tener pulmones para respirar o cerebro para crear cada vez que regresaba a casa y entraba al atelier. Esto es lo que pasa cuando quieres ser artista y solo tienes como fuente de ingresos la venta de tu obra artística, pero no tienes el “talento” para venir de una familia con los bienes y contactos adecuados dentro de la “ panorama artístico nacional”. Pero ahora que he dejado ese trabajo, espero tener la energía, mientras todavía tengo tiempo, para volver a poner mis manos en la masilla alisadora y la pintura de esmalte.
¿A qué artistas has inspirado?
Artísticamente me siento más influenciado por el trabajo de cineastas como Wes Anderson, Jim Jarmusch, Pedro Almodovar, Majid Majidi, David Lynch, Eric Rohmer, Andrei Tarkovsky; y en especial por las animaciones de Hayao Miyazaki (Studio Ghibli) y Chuck Jones (Looney Tunes). La música es la forma de arte que me acompaña todos los días y parece innegable que también termina contaminando mi trabajo artístico. Entre los músicos que he escuchado más recientemente están: Bill Evans, Aphex Twin, Brian Eno, Penguin Cafe Orchestra, Frank Zappa, Yo La Tengo, Fleetwood Mac, Radiohead, Leonard Cohen y Kevin Hayers. Solo indago esporádicamente en el trabajo de otros artistas visuales. Cuando lo hago, es en Internet, y me gusta especialmente mirar la pintura japonesa; descubre obras de artistas considerados ingenuos por las élites contemporáneas; y redescubrir obras de Picasso, Matisse, Henri Rousseau, Van Gogh, Munch, Hopper, Brueghel, Hockney, Bonnard, O'Keeffe, Frans Snyders, Peter Doig y el escultor Henry Moore.
Eres un joven artista, ¿tienes algún consejo que te gustaría compartir con los jóvenes que están dando sus primeros pasos en el mundo del arte?
Crea lo que sientes que tienes que crear y no lo que otros piensan que se debe crear.
Finalmente, ¿con qué artista sueñas trabajar algún día?
Ninguno, ya que disfruto especialmente estar y trabajar solo. Además, produje junto a mis amigos y compañeros artistas durante dos años en mi maestría en pintura, y compartir el estudio con ellos ya era un sueño único que nunca pensé que iba a querer y mucho menos a cumplir.
