¿Quién es Nicolás Samori?
Nicola Samori es un artista visual italiano conocido por sus pinturas y dibujos. Ha trabajado con una amplia variedad de técnicas y temas, pero es especialmente conocido por sus representaciones de retratos y figuras humanas. Samori es conocido por su habilidad para crear imágenes intensas y emocionales que exploran cuestiones de identidad, individualidad y pertenencia. Su trabajo ha sido ampliamente elogiado por su capacidad para equilibrar la técnica de pintura tradicional con un enfoque contemporáneo y subjetivo. Las oscuras pinturas al óleo de inspiración barroca de Nicola Samori son hábiles reproducciones de retratos y bodegones clásicos sobre lienzo, madera o cobre, destruidos a propósito para negar la representación clásica y cuestionar la pintura misma. Su proceso implica “despellejar” sus figuras pintadas con una espátula o diluyente de pintura, colocar otra imagen encima y repetir el proceso hasta que las imágenes se fusionen y los signos de borrado y rasguños dominen la superficie reelaborada. Samori explica que al exponer el interior de la pintura mediante la eliminación de capas de “piel” con un bisturí, se revela “una frescura e intensidad desconocida en los tonos exteriores”.
La carrera artística de Nicole Samori
Nicola Samorì nació en 1977 en Forlì y se graduó en 2004 en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Pintor y escultor, su trayectoria se destaca por su intento de poner en peligro las formas derivadas de la historia de la cultura occidental: en ellas, el cuerpo representado y la superficie pictórica se revelan sin ruptura de continuidad, y se tiene la impresión de que el nacimiento de una obra nueva implica siempre el sacrificio de una antigua.
A partir de 2010 aparece en sus obras el primer desollado del pigmento, proceso evidenciado en tres exposiciones en 2011: Barroco, LARMgalleri, Copenhague; Scoriada, Estudio Raffaelli, Trento; Imaginifragus, Galería Christian Ehrentraut, Berlín. Al año siguiente, realizó su primera exposición individual en un museo: Fegefeuer, Kunsthalle, Tübingen. Con la exposición Die Verwindung, montada en la Galería Emilio Mazzoli de Módena en enero de 2013, “el artista acabó castigando lo que había compuesto, desembocando así en el inevitable e imprescindible asesinato de la pintura” (Alberto Zanchetta). En 2014, se llevaron a cabo exposiciones individuales y colectivas en Schauwerk en Sindelfingen, en el MAC en Lissone, en la Kunsthalle en Kiel y en las bodegas palladianas del Palazzo Chiericati en Vicenza. Al año siguiente, fue seleccionado para participar en la 56ª Bienal de Venecia e incluido en el proyecto expositivo Codice Italia, comisariado por Vincenzo Trione.
También en 2015, el Centro TRAFO de Arte Contemporáneo de Stettin le dedicó una amplia monografía titulada Religo. Los proyectos personales en la Galería Monitor de Roma y la primera exposición individual en la sede de Leipzig de la Galería EIGEN + ART son de 2016, seguidos de la participación en la 16ª Cuatrienal Nacional de Arte en Roma y en la Gare de l'Est, Teatro Anatomical en Padua. En 2017 participó en el colectivo Art in Art en MOCAK en Cracovia y se realizaron dos monografías en el Centro Arti Visive Pescheria en Pesaro y en la Neue Galerie en Gladbeck. Entre 2017 y 2018 participó en la exposición Las nuevas fronteras de la pintura en la Fondazione Stelline de Milán, adonde regresó en la primavera de 2019 con motivo de la exposición La última cena después de Leonardo. En 2018, los experimentos con la técnica del fresco realizados en los dos años anteriores convergen en la exposición Malafonte en la Galerie EIGEN + ART de Berlín.
A fines de 2019, realizó el Cannibal Trail individual, en el Museo de Arte Yu-Hsiu, Caotun (Nantou, Taiwán), el primero en Asia; a principios de 2020 montó el proyecto Black Square en Nápoles, en la Fundación Made in Claustro y en el Museo Arqueológico y en septiembre con la exposición individual In abysso volvió a la sede de Galerie EIGEN + ART en Berlín. En noviembre inaugura una exposición individual en el Museo Mart de Rovereto dedicada a la figura de Santa Lucía, una de las imágenes rectoras de los últimos años de su obra.
Características de las obras de Nicola Samori
Nicola Samori es conocido por sus diversos enfoques para crear sus imágenes teatrales e inquietantes en dos o tres dimensiones, como se puede ver en las obras Kazimir (2010) y Destino dell' Occhio (2011). Se especializó en una forma de arte barroco agresivo, ejemplificado por los viejos maestros del siglo XVII en Holanda y Bolonia. Samori ridiculiza estas imágenes civilizadas pintadas, transformándolas en objetos de lástima o repugnancia, como lo demuestran Vidente (2011), Agnese (2009), 27 de junio (coronado) (2014) y Ciclope (2020). Es un asalto emocional y físico al peso acumulativo de la historia del arte que presiona a los artistas europeos contemporáneos, creyendo en el poder de la 'irresponsabilidad' y las 'heridas' para defenderse: una represalia en busca de la libertad.
A la herida de sus pinturas le ayuda su admiración por artistas modernistas como Lucio Fontana y Alberto Burri, conocidos por eliminar los soportes básicos de la pintura, y también su interés por el “moulage”.
Estas obras pueden verse como un ataque a un período específico del arte, o pueden interpretarse más ampliamente como un rechazo feroz de todo tipo de arte, dejando de lado todo el concepto de práctica artística.
Sfregi en el Palacio Fava de Bolonia
Sfregi es la primera exposición antológica italiana de Samorì, presentada en las salas del Palazzo Fava de Bolonia y comisariada por Alberto Zanchetta y Chiara Stefani. La exposición narra los veinte años de su carrera a través de 80 obras en un guión expositivo concebido y creado por el propio artista en exclusiva para las salas del Palazzo delle Esposizioni di Genus Bononiae. Museos de la ciudad de Bolonia.
La exposición es una oportunidad para Samorì de enfrentarse a toda la historia del arte, y en particular a la época barroca, articulando un recorrido de sugerencias y analogías y desencadenando una estrecha e intensa relación con las preciosas pinturas frisas que decoran las paredes. del Piano Nobile y con algunas obras identificadas en las colecciones de Arte e Historia de la Fundación Carisbo, como los evocadores retratos de mujeres ciegas de Annibale Carracci, estableciendo una "afinidad electiva", así como con los espacios, con la misma patrimonio como el Museo. Así, el Salone Nobile con El mito de Jason y Medea acoge una serie de obras que se remontan a la última década de actividades que parecen reaccionar al friso de los tres Carracci; La sala de frescos de Ludovico reúne obras centradas en el cobre quemado y el cuerpo sin carne, mientras que la de Albani se convierte en el wunderkammer de Samorì, en el que las naturalezas muertas creadas en piedra encuentran espacio. La Sala delle Grottesche recibe a Malafonte, un destacado fresco monumental que encaja perfectamente en el espacio, exactamente de 380 centímetros de ancho, como la obra, una coincidencia que el artista ha querido interpretar como una "bienvenida" del Palacio Fava.
En las salas del segundo piso se exhiben obras más íntimas, de pequeño y mediano formato que indagan en temas singulares o apuestan por las diferentes técnicas empleadas -desde el uso del ónix y la piedra hasta el desenfoque de la imagen- que permiten al visitante para abrazar la vastedad de la producción de Samorì y poner a prueba su obsesiva y obsesiva investigación que lo califica como uno de los artistas más interesantes del panorama contemporáneo internacional.
