¿Necesita algunas recomendaciones para construir su colección de libros de historia del arte? Hemos reunido una lista de libros de lectura obligada a continuación que cubren la historia del arte desde la antigüedad clásica hasta el presente. La historia del arte es una disciplina maleable, sujeta a revisiones y reevaluaciones recurrentes. Pero la comprensión de los desarrollos en el arte depende de ello. Mejora tus estudios en este campo con una o varias de nuestras opciones.
1. Penélope JE Davies, et al., Historia del arte de Janson (novena edición)
Durante más de 60 años, el libro de Horst Woldemar Janson ha servido como referencia para los cursos de historia del arte, prometiendo una visión integral de la pintura, la escultura y la arquitectura desde los albores de la civilización hasta el presente. En su mayor parte, así es, excepto por la titánica omisión de las mujeres artistas. Janson no creía que hubiera nada en las artistas femeninas que mereciera una consideración seria, un prejuicio consistente en la era de Mad Men, que el autor mantuvo hasta su muerte en 1982. Sin embargo, una reseña de 2006 esencialmente sacó a Janson de su propio libro, aunque su el nombre permaneció en el título. Obras maestras (como la pintura Arreglo en gris y negro #1 por James McNeill Whistler, 1871, también conocido como la madre de silbador) una vez suprimidas, mientras que se añadieron disciplinas antes ignoradas (fotografía y artes decorativas) y, finalmente, artistas femeninas. Además, reemplazó el enfoque de Janson en el artista masculino como genio por una lectura más integral que tiene en cuenta la clase y el género. Esta edición más reciente, publicada en 2013, amplía la cobertura del arte islámico.
2. Hal Foster, Rosalind Krauss, et al., Arte desde 1900 (3ra Edición, dos tomos)
Compilado por colaboradores asociados con octubre, el crítico de arte trimestral conocido por su escritura densa y difícil, ha publicado Arte desde 1900, en 2005. El libro mantiene una actitud y sesgo postestructuralista, es decir, escéptico ante la noción de que el arte encarna expresiones individuales que trascienden el tiempo. Así, el libro no sigue el desarrollo de lo que se denomina modernismo, antimodernismo y posmodernismo a través de artistas o movimientos. En cambio, trata el arte del siglo XX con una deconstrucción textual con ensayos breves vinculados a ciertos eventos culturales o históricos de cada año entre 1900 y 2003, comenzando con la publicación de Interpretación de sueños de Sigmund Freud y finalizando con la 50ª Bienal de Venecia. Arte desde 1900 ejemplifica la naturaleza no jerárquica del discurso histórico que prevalece hasta el día de hoy.
3. Giorgio Vasari, Vidas de los artistas
Las biografías de Giorgio Vasari de los principales artistas del Renacimiento italiano introdujeron el concepto de historia del arte tal como lo conocemos. Muchos de los artistas eran casi contemporáneos (vivió entre 1511 y 1574), lo que convierte al texto en una fuente primaria para estudiar la época histórica que inauguró la tradición artística occidental (hasta hace poco ligada al género narrativo inventado por Vasari). Publicado originalmente en 1550, Vidas cubre el período entre Cimabue (1240-1302) y Miguel Ángel (1475-1564) y está precedido por un tratado general sobre arquitectura, escultura y pintura. Los historiadores posteriores culparían a Vasari por centrarse demasiado en los artistas de Florencia y Roma, aunque el libro se amplió en 1568 para incluir a miembros de la Escuela veneciana como Tiziano. Pero mientras vivido no miró más allá de Italia, su influencia se extendió rápidamente por toda Europa, y la primera de muchas traducciones apareció en la República Holandesa en 1604.
4. Mary Beard y John Henderson, Arte clásico: de Grecia a Roma
Aunque la segunda mitad de su título sugiere que la investigación comienza con la Antigua Grecia, este libro en realidad trata más sobre esta última civilización. Propone que sin el Imperio Romano, el arte clásico no habría durado para desencadenar el Renacimiento. Los autores argumentan que la transmisión de la estética griega desde Roma sentó las bases del arte occidental y, además, argumentan que los romanos no imitaron el arte griego, sino que lo reinterpretaron y reinventaron. Los cinco capítulos del libro abarcan pintura, escultura, retratos y monumentos, analizando el papel de la lujuria: el poder, la posteridad y el sexo. Los viajes secundarios a sitios arqueológicos como Pompeya exploran cómo los nuevos descubrimientos mantienen nuestra fascinación por los objetos de la antigüedad, señalando que su supervivencia es, en última instancia, una cuestión de suerte.
5. HH Arnason, Historia del Arte Moderno
Con más de 650 páginas, la Historia del Arte Moderno de HH Arnason parece intimidante, pero desde su aparición en 1968, ha sido el relato esencial del arte del siglo XX. El libro comienza con París durante el siglo XIX, cuando las nociones de arte por el arte comienzan con artistas como Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh, Seurat y Cézanne quienes dispararon los primeros tiros del modernismo. Continúa relatando los principales movimientos -cubismo, dadaísmo, Bauhaus, surrealismo, expresionismo abstracto, arte pop- que han impactado los últimos 100 años de la pintura, la escultura y la arquitectura. Usando generosas ilustraciones y un lenguaje accesible, el libro cuenta la historia de una era revolucionaria que transformó nuestro pensamiento sobre el mundo y el lugar del arte. Ya en su séptima edición, Historia del Arte Moderno ha sido actualizado repetidamente para incluir los últimos desarrollos artísticos a medida que el siglo XX da paso al siglo XXI.
6. EH Gombrich, La historia del arte
Al comienzo de este libro (que también aparece entre Arte en América's Picks Essential Readings), el autor EH Gombrich observa: “Realmente no existe tal cosa como el arte. Solo hay artistas”. Esa declaración establece el tono de lo que se ha convertido en uno de los libros más populares de la historia del arte. Renunciando a amplias discusiones sobre movimientos o conceptos, Gombrich se centró en obras de arte individuales y las figuras detrás de ellas. Excepto por algunas diversiones en el arte antiguo y tribal, esto invariablemente significa pintores de Occidente. Aún así, Gombrich adopta una posición notable para un historiador del arte al sostener que la historia del arte puede oscurecer y dilucidar la experiencia del arte al transmitir información ajena al acto de ver. Vinculando a artistas tan diversos como Raphael y Cézanne a lo largo del tiempo, Gombrich insiste en que todos enfrentaron desafíos similares al hacer su trabajo.
7. Edición Phaidon, El libro de arte
Inteligente y ricamente elaborado, el Directorio de artistas de la A a la Z a través de la historia de Phaidon es el accesorio de mesa de café imprescindible en su biblioteca. Desde la Edad Media hasta la actualidad, el libro presenta a 500 artistas, y aunque algunos son más conocidos que otros, a cada uno se le da el mismo tratamiento: una reproducción a todo color y de página completa de una obra clave impresa con gran atención a los detalles. Cada entrada va acompañada de un breve texto que ofrece una descripción general de la carrera del artista respectivo escrito en un lenguaje claro y fácil de seguir. Dondequiera que abra este volumen, encontrará imágenes impresionantes, y como los artistas se enumeran alfabéticamente, encontrará yuxtaposiciones inesperadas de movimientos y épocas en cada página, como el pintor holandés del siglo XVII Hendrick ter Brugghen y el conceptualista francés contemporáneo Daniel Buren. . Sin embargo El libro de arte se inclina fuertemente hacia la pintura, abarca también la escultura, la fotografía, el video y la instalación.
8. Richard Shone y Jean-Paul Stonard, eds., Los libros que dieron forma a la historia del arte: de Gombrich y Greenberg a Alpers y Krauss
Aunque es un libro de historia del arte sobre libros de historia del arte, este libro es una compilación de ensayos que cubren los hitos del siglo XX, y señala que los desarrollos en el arte están vinculados a los cambios en la erudición. Reuniendo a un amplio grupo de destacados académicos y curadores, Los libros que dieron forma a la historia del arte examina 12 textos que introdujeron importantes conceptos críticos en el campo, comenzando con Arte religioso en la Francia del siglo XIII, escrito por Émile Mâle en 1898, los primeros estudios de arte medieval, el libro de Mâle fue también uno de los primeros en utilizar la iconografía para desentrañar el significado de las imágenes. otro libro, Principios de la Historia del Arte Heinrich Wölfflin de 1915 formuló el método ahora común de comparar obras de arte sobre la base del estilo.
9. Sharon F. Patton, arte afroamericano
La encuesta de 1998 de Sharon F. Patton conecta el arte afroamericano con la experiencia africana entre principios del siglo XVIII y finales del XX. Patton comienza con la esclavitud, abordando la arquitectura de las plantaciones y las influencias africanas que informan las viviendas esclavizadas construidas para los estados del sur. Pasando a las artes populares y decorativas del siglo XIX, Patton considera el impacto de los principales eventos, como la Guerra Civil, la Reconstrucción y la Gran Migración, en el arte realizado por los afroamericanos. Finalmente, el autor explora cómo la estética afroamericana fue moldeada durante el siglo XX por personas como el movimiento New Negro de la década de 1920, el nacionalismo negro en las décadas de 1960 y 1970 y la política de identidad de la década de 1990.
10. Charles Townsend Harrison y Paul Wood, eds., Arte en teoría 1900–2000 , (2ª edición)
Como señala el título, este libro examina la confianza única del arte del siglo XX en la teoría. En el período anterior a lo que se conoce como arte moderno, los debates estéticos se centraron principalmente en la técnica; Durante finales del siglo XVIII y principios del XIX, por ejemplo, la Academia Francesa se vio sacudida por discusiones entre dos grupos: los Poussinistes, llamados así por el neoclásico del siglo XVII Nicholas Poussin, y los Rubenistes, llamados así por el anciano de Poussin más contemporáneo, Peter Paul Rubens - sobre cuál era más importante para la pintura, la línea o el color. El modernismo, sin embargo, formuló toda una filosofía para transformar radicalmente el arte, impulsando el movimiento, como escriben Charles Harrison y Paul Wood, desde los “márgenes de la atención pública al centro de la economía cultural”. Harrison y Wood capturan de manera incisiva esta revolución del posimpresionismo al posmodernismo.
11. Whitney Chadwick, Mujer, Arte y Sociedad (6ª edición)
Durante siglos, los historiadores del arte ignoraron a las mujeres artistas, y las pocas que lograron obtener reconocimiento lo hicieron solo porque se suponía que de alguna manera habían superado las limitaciones de su sexo. Según esta creencia, las mujeres no podían convertirse en artistas por derecho propio porque su género se lo impedía. Esta idea comenzó a desvanecerse durante las últimas décadas del siglo pasado, cuando los logros de las mujeres artistas se volvieron demasiado visibles para ignorarlos. Se estaban reevaluando nombres olvidados del pasado, y este estudio de 1996 arroja luz sobre muchos de estos artistas desde la Edad Media en adelante. Lo más importante es que el libro ilumina sus luchas con la misoginia de sus respectivos tiempos y cómo persistieron en continuar con su trabajo.
