¿Qué es el Arte Conceptual?
En la década de 1960, muchos artistas experimentaron con un arte que enfatizaba ideas sobre objetos y materiales tradicionalmente asociados con la creación artística. En 1967, Sol LeWitt escribió en su ensayo “Párrafos sobre el arte conceptual” que “la idea en sí misma, aunque no sea visual, es tanto una obra de arte como cualquier producto terminado”. Los artistas conceptuales utilizan su trabajo para cuestionar la noción de qué es el arte y criticar las estructuras ideológicas subyacentes de producción, distribución y exhibición artística. El arte conceptual es un movimiento que valora las ideas por encima de los componentes formales o visuales de las obras de arte. Es un arte en el que la idea (o concepto) detrás de la obra es más importante que el objeto de arte terminado. Una amalgama de varias tendencias en lugar de un movimiento fuertemente cohesivo, el conceptualismo tomó una miríada de formas, como actuaciones, acontecimientos y efímeros.
¿Cómo surge el Arte Conceptual?
Desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 1970, los artistas conceptuales produjeron obras y escritos que rechazaban por completo las ideas y los estándares del arte. La idea principal, que la articulación de una idea artística es suficiente, implica que preocupaciones como la estética, la expresión, la artesanía y la comercialización se vuelven irrelevantes para juzgar el arte. Este pensamiento drásticamente simplificado, que puede sugerir a muchas personas que lo que pasa por arte conceptual no es realmente "arte" tanto como las pinturas de Jackson Pollock o Brillo Boxes (1964), parecía contradecir todo el arte anterior. Pero es importante entender que este movimiento es una sucesión de movimientos de vanguardia como cubismo, dadaísmo, expresionismo abstracto, arte pop, quien logró expandir conscientemente los límites del arte. Marcel Duchamp es a menudo visto como un antepasado importante del arte conceptual, y su tipo de letra ready-made de 1917 se cita como la primera obra de arte conceptual. El movimiento que surgió a mediados de la década de 1960 y continuó hasta mediados de la década de 1970 fue internacional y se produjo más o menos simultáneamente en Europa, América del Norte y América del Sur. Los artistas asociados con el movimiento intentaron eludir el mundo del arte cada vez más comercializado al enfatizar los procesos de pensamiento y los métodos de producción como el valor del trabajo. Las formas de arte que usaban a menudo eran intencionalmente las que no producían un objeto terminado, como una escultura o una pintura. Esto significaba que la obra no podía comprarse y venderse fácilmente y no era necesario verla en una galería formal.
Muchos artistas conceptuales no solo cuestionaron las estructuras del mundo del arte, sino que a menudo había una fuerte dimensión sociopolítica en gran parte del trabajo que producían, lo que reflejaba una insatisfacción más amplia con la sociedad y las políticas gubernamentales. Un ejemplo de esto es la idea de escultura social por Joseph Beuys. Aunque como movimiento artísticoSi bien el arte conceptual se asocia con la década de 1960, muchos artistas continúan creando arte conceptual en el siglo XXI (como Martin Creed y Simon Starling).
Los artistas conceptuales redefinen con éxito el concepto de una obra de arte ya que sus esfuerzos son ampliamente aceptados como arte, ya sea por coleccionistas, galeristas o curadores de museos. Aunque el término "arte conceptual" se usó a principios de la década de 1960 (Henry Flynt del grupo Fluxus describió sus piezas de performance como "arte conceptual" en 1961), no fue hasta finales de la década de 1960 que el arte conceptual surgió como un movimiento con definición . la serie de Joseph Kosuth titulada (El arte como idea como idea) 1966–7; la propuesta de exposición Air Show Air/Conditioning 1966–7 de los artistas ingleses Terry Atkinson y Michael Baldwin (miembros fundadores del grupo Art & Language); las pinturas de palabras de John Baldessari expuestas en Los Ángeles en 1968; e importantes exposiciones colectivas como la organizada por el comerciante de arte Seth Siegelaub en Nueva York en 1969, del 1 al 31 de enero: 0 Objects, 0 Painters, 0 Sculptors reflejaron este creciente enfoque basado en ideas para hacer arte.El término arte conceptual se utilizó por primera vez para referirse a este movimiento distintivo en un artículo escrito por Sol LeWitt en 1967:“En el arte conceptual, la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma de arte conceptual, significa que toda la planificación y las decisiones se hacen de antemano y la ejecución es un asunto superficial”. — LeWitt, 'Párrafos sobre arte conceptual', Artforum Vol.5, no. 10, verano de 1967, págs. 79-83
En 1973, apareció un registro pionero de los primeros años del movimiento en forma de un libro, Six Years, de la crítica estadounidense Lucy Lippard. Los 'seis años' fueron 1966-72. El largo subtítulo del libro se refería al "llamado arte conceptual, de información o de ideas". 
El arte conceptual puede ser y parecerse a casi cualquier cosa. Esto se debe a que, a diferencia de un pintor o escultor que pensará en la mejor manera de expresar su idea al crear con pintura o materiales y técnicas escultóricos, un artista conceptual utiliza cualquier material y forma que sea más apropiado para transmitir su idea, que podría ser cualquier cosa, desde una actuación hasta una descripción escrita. Si bien no existe un estilo o forma utilizada por los artistas conceptuales, desde finales de la década de 1960 surgieron ciertas tendencias. Entre los primeros en llevar la noción de arte basado en ideas hasta su conclusión lógica estuvo Joseph Kosuth, quien desarrolló un modelo altamente analítico basado en la noción de que el arte debe cuestionar continuamente su propio propósito. Defendiendo sus ideas de manera más famosa en un ensayo de tres partes titulado "El arte después de la filosofía" (1969), Kosuth argumentó que era necesario abandonar el arte tradicional para continuar con esta autocrítica. El artista cuestionó la noción de que el arte necesariamente necesitaba manifestarse en una forma visual. El arte conceptual fue llevado a los extremos del arte como una idea de Lawrence Weiner en su "Declaración de intenciones" de 1968, donde afirmó que abandonaría la práctica de crear arte físico, citando la necesidad de no construir algo cuando la idea detrás de cualquier obra de arte debería ser suficiente, ya que la intención del artista sigue siendo la misma (o idealmente debería serlo) independientemente de si la obra tiene una forma física o meramente conceptual.
Los Colectivos Artísticos
Aunque los artistas conceptualistas siempre han sido un grupo internacional dispar, que alberga muchas ideas sobre el arte contemporáneo, a fines de la década de 1960 era algo evidente que se estaba uniendo un movimiento suelto. En 1968, una serie de exposiciones de arte conceptual promovieron vigorosamente el movimiento en Nueva York, organizadas por el marchante y curador Seth Siegelaub. En 1969, el Museo de Arte Moderno de Nueva York reunió a varios artistas del movimiento para una exposición titulada "Información". Este evento no debe tomarse a la ligera, ya que el conceptualismo fue en gran medida crítico con el sistema institucional de los museos y sus intereses orientados al mercado, el sistema dentro del cual exhibían.
En 1967, un colectivo de artistas británicos formó el grupo Art & Language mientras enseñaba arte en Coventry, Inglaterra. A través de una serie de publicaciones periódicas, el grupo mostró un disgusto declarado por la participación del arte moderno y el mercado. Durante los años siguientes, muchos se unirían al grupo, cuya membresía rotatoria llegaría a aproximadamente 50 artistas antes de su declive a fines de la década de 1970.
Otros colectivos de artistas fueron igualmente políticos en su enfoque. El grupo canadiense General Idea tenía una pequeña membresía de tres artistas, Felix Partz, Jorge Zontal y AA Bronson, quienes abrazaron obras e instalaciones efímeras. Actuando de 1967 a 1994, en la década de 1980 su trabajo abordó la industria farmacéutica y la crisis del SIDA. En América del Sur, los artistas encontraron en el Conceptualismo un camino efectivo hacia la creatividad y la oposición política. El conceptualismo era particularmente atractivo allí, ya que no era un estilo importado per se, sino un medio de expresión sin un marco de referencia único, ya sea cultural, estético o ideológico. Los colectivos de artistas brindaron anonimato y, por lo tanto, protección contra el enjuiciamiento por parte de autoridades opresivas y la oportunidad de hacer fuertes declaraciones sociales.
Arte conceptual en el siglo XXI
Si bien el modelo de arte conceptual promovido por Joseph Kosuth y Art & Language puede verse como el epítome del movimiento, otros exploraron caminos que posiblemente fueron influyentes. El arte conceptual evitó las convenciones de la artesanía y el estilo hasta tal punto que se podría decir que pone un énfasis renovado en el contenido, que había sido en gran medida desterrado bajo el énfasis crítico en la forma. Surgido durante un período de gran agitación social, el inquilino central del conceptualismo, que la idea es primordial, ha encontrado una amplia aplicación por parte de artistas que desean enfatizar diversos problemas sociales. Los temas sociales abordados por artistas internacionales como Hans Haacke, Martha Rosler, Jenny Holzer, Luis Caminzer, Alfredo Jaar y Ai Weiwei incluyen relaciones laborales y de género, gestión de museos, pobreza y censura.
Si bien el movimiento a menudo enfatizaba la construcción social de la obra de arte, el conceptualismo no era populista y tenía una popularidad limitada fuera del mundo del arte debido a su percepción misteriosa. Además, las fracturas comenzaron a desarrollarse en el movimiento a mediados de la década de 1970, lo que llevó a la disolución del movimiento. Sin embargo, este movimiento inspiró a artistas posconceptuales posteriores, muchos de los cuales adoptaron la base material del arte y el lenguaje de la cultura visual, como la generación de imágenes liderada por Cindy Sherman y Richard Prince. Otros continuaron eludiendo la producción artística tradicional a través del Performance Art o las instalaciones. Así, muchas de las preocupaciones, y algunas de sus tácticas y estilo austero, persisten hoy en las obras de una amplia variedad de artistas, incluidos Andrea Fraser, Tino Sehgal, Gabriel Orozco, Recreate Tiravanija, Glenn Ligon y Damien Hirst.
